Si bien nunca fue concebido como un disco de jazz, New York Tendaberry puede perfectamente enfocarse como una pieza que recoge los elementos más representativos de la evolución del género hasta fines de los 60’s. Pero su valor va más allá; donde jazzistas de la talla de John Coltrane y Miles Davis iban agregando cuotas cada vez mayores de experimentación -el primero de la mano del free jazz, y el segundo fusionando el sonido de su trompeta con el funk de Sly Stone, más los toques de sicodelia que se respiraba en todos los rincones de Estados Unidos en la segunda mitad de la década de 1960-  Nyro reúne ingentes cuotas de gospel, fraseos de jazz propios de una Big Band, una demoledora interpretación al piano y lo más importante; una voz poderosa, que aborda canciones simples, íntimas y por sobré todo, confesionales. Todo lo anterior en un formato de canción de tres minutos, más propio de Motown que el esquema de jazz predominante en esa época.

Genialidad químicamente pura

Laura Nyro grabó New York Tendaberry en 1969 cuando sólo contaba con 21 años. Y ya a esa edad contaba con dos tremendos discos (More Than a New Discovery y el estupendo Eli & The Thirteen Confession)  que, la encumbraban como una de las grandes compositoras  de la segunda mitad del siglo XX. Y más aún, como una artista que a través de su música sentó las directrices para todas las cantantes femeninas tanto de jazz, como de soul y rythm and blues.

El disco cuenta con 11 temas y entre los  que más se destacan se encuentra Mercy on Brodway, una pieza que une en sus dos minutos de duración un amalgama de jazz, arreglos de bronces y una complejidad vocal que ya se la quisieran los Beach Boys en su mejor época.

Save The Country es una verdadera rendición ante la esencia del góspel. Escrita un poco después de la muerte de Robert Kennedy  en 1968,  en un principio estaba concebido  como un tema para ser interpretado por el grupo Fifth Dimension. Sin embargo la versión de Nyro sorprende con su simpleza (voz y piano) las cuales en la grabación se van fundiendo con arreglos grandilocuentes, lo cual la transforma en uno de los temas más importantes del álbum.

Time and Love sorprende por su tono festivo, su apego al góspel y su letra, que a ratos parece una canción de cuna mientras que en otros es lisa y llanamente una confesión. En ella de destacan además sus arreglos en vientos, una autentica creación de la artista.

Captain Saint Lucifer es sin lugar a dudas el tema más poderoso del disco; sus arreglos oscuros, que descansan sobre un piano de notas acentuadas, destacan por una serie de sutilezas, como la suave introducción de bronces y un órgano violento, pero a la vez casi imperceptible.

Pharoah fue un músico que salió literalmente de las cloacas para instalarse al costado de un gigante. Nacido en Arkansas en 1940, el saxofonista creció en una familia imbuida en el espíritu de la música.

Luego de tocar clarinete durante sus primeros años de escuela, cambió su instrumento al saxo tenor, una vez que ingresó en la enseñanza secundaria. Es en esta etapa de su vida en la que toma contacto con las grabaciones de Charlie Parker, Sonny Rollins y John Coltrane.

En su adolescencia, comenzó a tocar en clubes de Little Rock, hasta que, una vez finalizada su educación secundaria, el músico se establece en California, listo para estudiar arte y música.
Es en este escenario donde comienza a tocar be bop, free jazz y Rhythm and blues hasta que finalmente se establece en Nueva York en 1961 donde, en un primer momento fue incapaz de vivir de su música. Así muchas veces tuvo que empeñar su instrumento, trabajar en otros oficios y en los peores días, dormir en el metro.

Dos años más tarde forma su primera banda, para luego, en 1964, ser llamado por John Coltrane para formar, aunque no oficialmente, parte de su agrupación. Sin embargo, como dupla de saxofones, son reconocidos como uno de los puntos más controversiales en la historia del jazz. Sus grabaciones -entre las que se destacan “Live at the Village Vanguard Again” y “Live in Seattle”- representan un alejamiento total de los cánones tradicionales del jazz, sobre todo en armonías y swing, favoreciendo estructuras irregulares, mezclas puras de secciones y sonido por el sonido. Para ejecutar música de este estilo, se necesitaba una fortaleza sobrehumana, de la cual según Coltrane, Sanders tenía en abundancia.

Luego de la muerte de Coltrane, ocurrida en 1967 el músico lanzó varios discos con el sello Impulse, entre los cuales se cuenta Thembi. El registro  da muestra de la lección bien aprendida de su maestro, e incluso más.

Donde los esfuerzos de Coltrane se centran en expandir sus fronteras sonoras, con sonidos toscos, caóticos y estridentes, Sanders ocupa ese espacio para llenarlo con capas de sonido, muchas veces sin forma, pero en otras plenas de armonías, hecho que le permite al auditor no sentirse parte de un experimento y así disfrutar de un gran disco de jazz, que da cuenta de sus formas más libres.

Disfruta del tema principal del disco haciendo click en la pantalla:

Para realizar esta estupenda selección de temas de Holiday, Webster trabajó con el pianista Mal Waldron, el baterista Ed Thigpien, el guitarrista Joe Puma, el saxofonista John Quinchette  y el bajista Earl May.

Así juntos dieron vida a canciones que se distinguen por una marcada cohesión, un swing relajado y  un significativo trabajo en conjunto. Dentro de la banda, Waldron  hace una astuta elección respecto al fraseo, acordes y la estrategia de acompañamiento para los demás instrumentos.

Escucha God Bless The Child por Webster Young

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Así el disco da cuenta de cinco temas asociados a Holiday, más una creación de Young en homenaje a la gran cantante (The Lady). Teniendo siempre presente el tono de las canciones y el modo de interpretarlas de Billie, las canciones suenan como totalmente cansada del mundo, sin embargo cuentan con breves destellos de luminosidad equiparables a la música navideña.

Además, dentro del tracklist se destaca “Strange Fruit”, un ejemplo de cómo en aquellos lugares donde las letras de Holiday entregaban la suficiente dosis de ironía, que maravillaban al auditor, Young elabora arreglos que transforman a las canciones en una verdadera demolición.

Y ese es el espíritu de “The Birth of Cool”, disco de Davis lanzado en 1957,  basado en grabaciones realizadas en 1948 y 1949, que da el puntapié inicial a la carrera del músico y de su aporte a la consolidación del be-bop como uno de los géneros más importantes del jazz al final de la primera mitad del siglo xx.

El disco en sí es una temprana muestra de genialidad de Davis, la misma que revolucionaría una y otra vez el be bop, hasta dejar atrás definitivamente el género, con la salida de Bitches Brew en 1970.

Un puñado de futuras estrellas

Al ser una compilación de registros,  grabados a lo largo de varios meses, es difícil establecer con precisión el rol de cada uno de los músicos en las diversas canciones. Sin embargo quienes participaron en esta grabación, eran –en ese tiempo- figuras que dejarían una enorme huella en la historia del jazz en los 40 años siguientes tales como Kai Winding y JJ Johnson en trombones, Junior Collins, Sandy Siegelstein y Gunther Schuller en trompa, John Barber en tuba, Gerry Mulligan en saxo barítono, Lee Konitz en saxo alto, John Lewis y Al Haigh en piano, Joe Schuman, Nelson Boyd o Al McKibbon en contrabajo y Max Roach y Kenny Clarke en batería. Además la  grabación contó con Kenny Hagood en la voz en el tema “Darn that Dream”.

En 1998 Capitol Records lanzó una edición especial de The Birth of Cool, que incluye un programa de radio, conducido por un tal Sympthon Syd y que fue puesto al aire en Nueva York en 1948. Dicha presentación incluye todos los temas del disco en un único registro en vivo –una verdadera joya- que da cuenta del mundo donde crecía esta música a fines de los años 40s.

Disfruta de “Jeru” uno de los cortes pertenecientes a “The Birth of Cool” de Miles Davis:

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“Move”:

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Es en este último punto en el que se inscribe “Route 66: Television Show Themes” un fantástico disco que revela a Riddle en su estado más puro. En vida el músico siempre se consideró un seguidor acérrimo del compositor francés Maurice Ravel, influencia que forjó gran parte de su carrera.

The Riddle Sound (El sello Riddle)

Recordando a Ravel, el estilo de Riddle se puede describir a grandes rasgos, como un juego de intensidades que se van intercalando al interior de las canciones. Es en este esquema que en los tiempos más relajados, la interpretación va guiada, en una primera fase, por una sucesión de batería, bajo y piano.

Posteriormente y acorde va subiendo la intensidad, se van  agregando ensambles de cuerdas, guitarras eléctricas para finalizar,  en secciones más intensas, las cuales son soportadas por los bronces. Todo ello matizado con solos de saxofones, clarinetes y otras delicadezas.

Route 66, un soundtrack con historia

Este álbum, editado en 1962, es una compilación, hasta esa fecha, de las contribuciones de Riddle en  TV. Escucharlos ayuda a crear el cuadro de cómo se vivía cotidianamente la vida en los 60s a través de la televisión.

Los más importantes cortes del disco son los siguientes:

Theme from Route 66: Transmitida entre 1960 y 1964, que narraba las aventuras de dos individuos que viajaban por todo E.E.U.U en un Corvette del 53 ayudando a gente.

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The Andy Griffith Theme: “The Andy Griffith Show” fue el primer sitcom transmitido en la historia de CBS, estrenado en 1960 y que se mantuvo en el aire hasta 1968,  narraba las desventuras del  sheriff de Mayberry, una comunidad ficticia de Carolina del Norte, un diputado inepto que llegaba a complicarle la vida y su hijo astuto e inteligente.

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Theme from Alvin Show: Las populares ardillas de las caricaturas tuvieron su debut en televisión por alla por 1961. Y los arreglos del tema principal corrieron por cuenta de Riddle.

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Theme from “My Three Sons” : Este sitcom bastante popular entre 1960 y 1972, narra la historia de Steven Douglas, un ingeniero aeronáutico que luego de quedar viudo, debe enfrentar la crianza de sus tres hijos.

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Theme From Naked City: Esta serie, que estuvo al aire entre 1958 y 1962 e inspiradas en el film noir de 1948, cuenta la historia de los detectives James Franciscus y  John McIntire y su trabajo en Manhattan, Greenwich Village y el Bronx, en un formato de semi-documental. El trabajo de Riddle aporta una gran cuota de dramatismo al desarrollo de las historias, en cada uno de los capítulos de la serie.

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Theme from The Defenders: Dos abogados defensores (padre e hijo) son los protagonistas de esta serie, cuyo impulso fue crucial, para algunos historiadores en el movimiento de los derechos civiles.  Musicalmente hablando, los arreglos de Riddle denotan una gran delicadeza, lo cual le da un gran valor agregado a la serie.

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Foto: Agencias

Gene Krupa en la década de 1930.

Si bien fue un baterista mas que destacado – una especie de Dave Grohl de 1930- y que formó parte de la galería de  estupendos percusionistas de inicios del genero, entre los que se cuenta  Buddy Rich  y Lionel Hampton, entre otros-  el gran mérito de Krupa es haber sido la primera superestrella nacida detrás de la batería. Así, en una época en la que todo lo relacionado con percusión ocupaba un segundo plano, Krupa supo brillar como una estrella bien potente en el mundo del jazz desde 1930 a 1950.

Todo ello por un estilo marcado por solos y marcaciones realmente demoledoras. Eso, unido a un gran atractivo físico y su particular manera de tocar, lo transformaron en un ídolo adolescente, a tiempo de cambiar para siempre la figura de los baterístas.

Nacido en Chicago en 1909, Krupa se sentó detrás de los tarros a mediados de la década de 1920.  Y ya con su primera grabación, realizada con los MacKenzie Condon Chicagoans hizo historia al ser el primer músico que realizo una grabación con una batería completa.

Motivado por las devastadoras consecuencias de la Gran Depresión,  Krupa se mudó a Nueva York a comienzos de 1930, donde trabajó como músico de sesión.  Así cuatro años mas tarde, debuta en la banda de Benny Goodman en la cual prácticamente se roba la película, hecho que queda manifiesto en el mítico concierto del clarinetista, realizado en el Carnegie Hall en 1938. Junto con grabar el éxito “Sing, Sing, Sing”, Krupa participó en casi una decena de discos de Goodman, hasta que una serie de conflictos entre las personalidades de ambos músicos, motivó la salida del baterista de la banda.

Luego de este periodo, Krupa decido realizar su propia banda la cual tuvo una serie de excelentes músicos de la talla de Vido Musso, Sam Donahue y la estupenda Irene Daye en la voz, entre otros. Dentro de sus temas mas destacados se cuenta el clásico “Drum Boggie” con el cual la banda comenzó a dar que hablar.

Sin embargo no fue hasta 1941, con la llegada de Roy Elridge y Anita O’Day, que la banda de Krupa no cosecho su real éxito, el cual se potenciaria aun mas con la aparición del baterista en el film de Howard Hawks “Balls of Fire”.  Desafortunadamente le fueron levantados cargos por posesión de drogas, hecho que generó una serie de criticas y mala publicidad para el film, que a la larga llevaría a la disolución de su orquesta.

Luego de trabajar en la orquesta de Tommy Dorsey por un breve periodo, el baterista volvió a los éxitos en las radios con “Dark Eyes”. En 1945, y con el regreso de Anita O Day, Krupa rearma su banda, con el mérito de ser uno de los primeros diréctores de bandas en incorporar en sus temas, influencias de un incipiente be-bop.

Revisa este video de Gene Krupa con Buddy Rich, en el show de Sammy Davis Jr. a fines de 1950.

Sin embargo en 1951, Krupa disolvió definitivamente su orquesta para dedicarse, durante toda esa década a tocar en pequeños tríos, además de formar una escuela de bateristas junto a Cozy Cole.

Años de excesos y de abuso de sustancias finalmente le pasaron la cuenta al gran baterista. Fue así que en la década de 1960, vivió prácticamente recluido en su casa en Nueva York, de la cual solo salió para aparecer en algunos shows de televisión y en algunos eventos especiales.

También en 1959 se estreno una película biográfica protagonizada por Sal Mineo, que contribuyó a aumentar el mito -en vida- sobre su figura.

Revisa este video de Gene Krupa, con Lionel Hampton y Chico Hamilton.

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Por eso quiero invitarlos a descubrir cuales son las mejores versiones de corte jazzistico,  que se han grabado con la música de Porgy and Bess en los últimos 80 años.

1) Porgy and Bess – Ella & Louis (1958)

Precedida del gran éxito de sus  primeros discos, Norman Granz volvió a juntar a estos dos grandes del genero con 16 canciones del repertorio de la opera. El resultado es una gran combinación de voces, mas los magníficos arreglos del director de orquesta Russ García.

2) Miles Davis – Porgy and Bess (1957)

Es sin lugar a dudas un disco épico. Prácticamente con la misma alineación de Kind of Blue, el trompetista ,en conjunto con Gil Évans dio vida a una innovadora versión de la obra de Gershwin. Arreglos que van un paso mas allá que el be bop en boga en esa época, la ausencia del piano que de cohesión a las canciones unido a una sensibilidad que se desarrolla, de una manera intima y bien ligada al texto de Gershwin,  son los ingredientes de esta obra, una de las mejores dentro del catalogo de Miles.

3) Oscar Peterson  - Oscar Peterson Plays Porgy and Bess (1959)

El destacado pianista de  be bop realizo su propia versión de la obra de Gershwin. El resultado, al revés de las anteriores ya mencionadas, fueron piezas simples en formato piano, contrabajo y batería, con secuencias de solos bien definidos y un piano demoledor y atiborrado de escalas de todos los tipos, de parte de Peterson.

4) Porgy and Bess – Sammy Davis Jr y Carmen Mc Rae (1959)

El talentoso (y a la vez mas divertido) integrante del Rat Pack, junto con la destacada cantante de Blues realizaron su propia versión de la obra, que trae reminiscencias de la primera película sonora de la historia “El Cantante de Jazz” de Al Johnson con arreglos sobrios, la gran voz de MacRae y el carisma de Davis Jr. Una real joya.

5) Porgy  and Bess – Lena Horne y Harry Belafonte (1959)

Da la impresión que el ultimo suspiro de la década de los 50 s fue el año de esta obra. Así encontramos este extraño registro con dos artistas muy destacados. Si bien los arreglos de Robert Corman ni la sensibilidad en la interpretación, están al nivel de la versión de Norman Granz y con Ella and Louis,  se destaca por su fidelidad a la versión de Broadway lo cual lo transforma en una pieza de lujo.

6) Porgy and Bess – Modern Jazz Quartet (1966)

Arreglos sobrios, el xilófono de Milt Jackson que lleva la voz cantante y una sensibilidad especial y sin limites son los ingredientes de esta versión que al escucharla, le inyecta un aire renovado a la obra y un formato muy de la década de 1960.

7) Porgy and Bess – Ray Charles y Cleo Laine (1976)

Durante los años 70, el formato de Opera adquirió nuevas dimensiones, alcanzando nuevas dimensiones, mas en sintonía con el la música pop y el rock and roll más que con el jazz, los cuales van desde Xanadu , con música de Jeff Lyne y la voz de Olivia Newton John, hasta Tommy, la poderosa opera rock de The Who. Es en estos nuevos brios en los que se inserta esta propuesta de Porgy and Bess, mas pensada en las cámaras de TV que en el jazz. Así y todo las voces y la estampa de Charles y Laine le dan un gran valor agregado a la propuesta y la ubican entre a medio camino entre un disco de jazz y la versión de Broadway.

8 )  Porgy and Bess – Oscar Peterson – Joe Pass (1976)

El pianista de be bop se reinventa respecto a su versión de 1959, apoyado en el talento del guitarrista Joe Pass y cambiando el piano acústico por un clavicordio que marca melodías y se sostiene en una tremenda base rítmica q otorga la guitarra de Pass. Es una versión un tanto distinta, pero a la vez bastante intima,  lo cual es una delicia para el auditor.

A casi 120 años de su nacimiento, sus discos, sus actuaciones y su vida se ha tenido de un aura de leyenda y su obra fue uno de los grandes referentes para muchos artistas de todo el repertorio folklórico de Estados Unidos, sobre el cual descansan desde el  soul y el jazz, hasta el rock and roll.

Foto: Agencias

Bessie Smith en sus años de Columbia Records

Bessie nació en Chattanooga (Tennessee) presumiblemente en abril de  1894 (en esa época, para la gente de raza negra no existían las actas de nacimiento). Su infancia transcurrió en el periodo posterior a la abolición de la esclavitud, caracterizado por una marcadísima segregación racial y un punto de inflexión importante; la migración del campo a la ciudad, que le inyectó nuevos aires a la música afroamericana. Así se dio origen al denominado blues urbano el cual en la primera década del siglo XX se encontraba lo suficientemente consolidado en los ghettos que se fueron conformando en las principales ciudades estadounidenses.

Es en ese escenario, dominado principalmente por voces masculinas, como también la irrupción del teatro tipo vaudeville, en los que Bessie da sus primeros pasos, siendo una testigo privilegiada del nacimiento del jazz.

Dotada de un innato talento, la artista se encontraba por sobre sus contemporáneos tanto en su estilo vocal, su timbre y su particular fraseo. Así, inició su carrera en 1912 para, un año mas tarde,  contar con un contrato de actuación para ella sola, en el “81 Theatre” de Atlanta.

Ya por esos años, ingresa a T.O.B.A. (Theaters Booking Owners Association) circuito de cantantes de color que no podían compartir escenario con artistas blancos. Pese a lo duro que podía ser el formar parte de dicha asociación debido a las draconianas condiciones que imponían a los contratos de sus artistas, Bessie tuvo la oportunidad de sobresalir y consolidar un prestigio que le permitió hacia 1921, actuar con regularidad en el Standards Theatre de Philadelphia, y al año siguiente en la sala mas elegante de Atlanta, el Paradise Gardens, con la orquesta de Charlie Johnson.

Sin embargo los mejores tiempos llegaron al año siguiente, luego que el extraordinario pianista Clarence Williams presentara a Bessie a los directores artísticos de Columbia Récords. Así se dio inicio a una relación de trabajo que se extendería durante 10 años en la cual ella cuenta con extraordinarios músicos para realizar sus grabaciones. Así su producción músical cuenta con contribuciones que son unas verdaderas joyas, de la mano de un jovencísimo Louis Armstrong, como también del saxófonista Coleman Hawkins y la orquesta de Fletcher Henderson, entre otros importantes músicos.

Bessie Smith, Young Woman’s Blues

Luego del crash de 1929, vienen dos años completamente oscuros para la cantante en los cuales fue imposible contar con importantes contratos de actuación.  Así sobre vive actuando en tugurios decadentes y de mala reputación en muchas ciudades del sur de Estados Unidos.

Sin embargo, ya a fines de 1931, Bessie retoma su carrera en buena forma hasta 1937, fecha del fatídico accidente de tránsito que le quitó la vida. El 26 de septiembre, la artista, que participaba de la gira de la obra musical “Broadway Rastrus” se accidentó en una carretera secundaria del estado de Missisipi. Luego del accidente, Bessie fue llevada a un hospital para blancos donde se le negó  asistencia médica. La única alternativa fue llevarla al Hospital Afroaméricano de Clarksdale, donde llegó sin ninguna posibilidad de sobrevivencia.

Disfruta de la voz de Bessie Smith cantando St. Louis Blues

Foto: Agencias

Maynard en Ferguson en 1970.

Dentro de las estrellas que brillaron en el gran firmamento que fue la orquesta de Stan Kenton, se destacó el trompetista canadiense Maynard Ferguson. Dotado de una técnica y un gran talento como solista, el músico realizó una gran contribución al legado de la banda, con secciones de solos agudos, bien definidos dentro se los temas y, lo más importante, con un swing bastante singular. Así tuvo un rol crucial dentro de la agrupación, a tal punto que uno de los temas más famosos y distintivos de Kenton lleva su nombre.

Sin embargo, no hablaremos del rol de Ferguson en la orquesta del director californiano. Hoy metemos las manos hasta el fondo en lo que para los puristas del jazz son algunos de los peores discos creados dentro de la historia del género, y que tienen como protagonista al eximio trompetista. Esto es el nacimiento del Kitsch Jazz, de la mano del buen Ferguson.

1.- Para todo público

Imaginemos la siguiente escena: Festival Internacional de Jazz de Montreux, 1982. Un hombre de 50 años, visiblemente gordo, de camisa blanca abierta hasta un poco más arriba del ombligo, lentes ahumados y chaqueta azul, lidera  una orquesta de muchachos jóvenes, barbudos y musculosos cuyo atuendo es algo del terror; pantalones blancos,  poleras azules, con un logotipo basado en la MF de Ferguson. A la cuenta de tres, el bajo da la partida de una potente versión de “Birdland”. Y el público, en las graderías, simplemente estalla en delirio.

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2.- Un repertorio para la TV

Segunda escena: estamos en las transmisiones del Mike Douglas Show  en 1977.  La potente introducción -casi interestelar diría yo- de un sintetizador Moog no hace más que presagiar el inicio de una gran pieza, hecho que se reafirma con la demoledora sección de vientos con la cual marcan su presencia los pupilos de Ferguson. Sin embargo la llegada de Maynard -esta vez de traje negro, pero con la misma inquietante  prestancia de la escena anterior- tuerce las cosas; el tema sólo es la presentación de la popular serie Star Trek, tal como se puede ver a continuación:

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El estilo de Ferguson respecto a su instrumento en esta etapa de su carrera, se puede explicar de  manera bien simple; solos potentes, atiborrados de notas altísimas,  que descansan sobre una sección de bronces herencia de Kenton. El ritmo lo sigue un piano Fender Rhodes, con wha-wha, expresión y otros efectos. A esto se añade un bajo cuya aproximación al funk es más que evidente,  y una batería de tintes más cercanos al rock que al jazz.

Su presencia, sus discos y sus trabajos son para muchos, una autentica oda al mal gusto. Sin embargo, no se puede dejar de admirar la impecable ejecución tanto de su instrumento, como la del conjunto de sus músicos, que ayudaron, a punta de quizás malos repertorios, a hacer del jazz una pieza accesible para todo público. Y ese es quizás el gran mérito de Maynard Ferguson.