Por mi parte, siempre he sido un fanático de potenciar el rock con algo más. Dentro de esa premisa, los arreglos orquestales a una canción de este género, con buen gusto, pueden resultar en versiones inolvidables.

He aquí algunos ejemplos sacados de la web… Deben haber muchos más, pero me quedo con estos por su grado de impacto musical, complejidad y sobre todo, potencialidad:

‘Dream on’ – Aerosmith (Orquesta de Michael Kamen)

Dentro del meganiversario de los 10 años de vida de la cadena MTV, en donde podíamos encontrar estrellas como Michael Jackson, Slash, REM y Maddona, se gesta esta impactante versión del año 1991.

Junto a la orquesta dirigida por el genial Michael Kamen (que aparecerá bastantes veces en este artículo), los oriundos de Boston quedaron en la historia de la cadena musical como una de las mejores presentaciones en la historia del canal. Una joya

‘Kashmir’ – Alice in Chains (Northwest Seattle Orchestra)

En el marco del concierto anual de la fundación Symphony Guild, el año 2008, Alice in Chains sorprende a todos los asistentes en una presentación inédita. Con su nuevo vocalista William DuVall, reajustan y embellecen al clásico de Led Zeppelin. ¿El resultado? Una versión de impacto directo que les trajo 2 presentaciones más en el Benayora Theater de Seattle y una intervención en el medio tiempo de un partido televisado del equipo local de la NFL (Seattle Seahawks).

‘November Rain’ – Guns N’ Roses & Elton John (San Francisco Orchestra)

Dentro de uno de los mejores VMA’s según muchos en la historia de MTV, se encuentra este cierre épico de la banda esencial de Los Angeles con un icono de la música como sir Elton John.

Hasta el día de hoy, es el montaje más caro en la historia de las presentaciones de la cadena de música. Todo, absolutamente todo el sonido de esta versión está en vivo. Nada secuenciado ni apoyado en bases. Un esfuerzo invaluable para esa época (1992) en un show televisivo que contó también con la participación de The Black Crowes, Nirvana, Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam, Def Leppard, Eric Clapton, U2 vía satélite desde Detroit y Michael Jackson desde Londres.

‘Beth’ – Kiss (Orquesta Filarmónica de Melbourne)

Dirigida por David Campbell, esta orquesta colabora en una gigantesca entrega en vivo de Kiss, dividida en actos y con una propuesta visual impactante, con todos los músicos del colectivo pintados al estilo de la banda.

Dentro del setlist se encuentra ‘Beth’. Un hermoso corte cantado por Peter Criss y que muchos expertos esperaban ver absolutamente en vivo. Muchas versiones anteriores habían sido unplugged o solo en piano, pero esta reunió por fin todos los instrumentos y aderezos necesarios para una presentación fuera de serie.

‘Metropolis’ – Dream Theater (The Octavarium Orchestra)

Jamshied Shafiri es el director de este colectivo que hizo lo que tal vez muchos no esperaban: llevar la complejidad progresiva de esta banda a un nivel orquestal pocas veces escuchado.

En el marco de su gira por su duodécimo aniversario, Dream Theater vuelve a su cuna en Nueva York con un concierto que repasa lo mejor de su extensa carrera. Tal vez, el último gran concierto de Mike Portnoy antes de la llegada del nuevo baterista Mike Mangini.

El cierre de esta épica presentación en el Radio City Music Hall de la gran manzana lo da ‘Metropolis’, completando casi 30 músicos en escena en una presentación inolvidable.

‘Still Loving You’ – Scorpions (Orquesta Filarmónica de Berlín)

Uno de los primeros datos que saltan a la vista de esta enorme versión es que desde 1995 Christian Kolonovits, director de la filarmónica, buscaba ansiosamente a Scorpions para un proyecto serio de grabar un álbum de rock y orquesta.

Recién el año 2000 se consuma esta alianza en ‘Moment of Glory’. Un álbum que conmemora la llegada del nuevo milenio con diversos cortes orquestados y producidos en conjunto con Kolonovitz y Scorpions.

De ahí nace esta emocionante versión de ‘Still Loving You’. Potente y acoplada a la medida de un trabajo dirigido a un resultado de mezcla brillante entre rock europeo clásico y música modal.

‘No Leaf Clover’ – Metallica (Orquesta Sinfónica de San Francisco)

Después de la versión elevador de ‘Nothing Else Matters’ del b-side ‘Sad But True’ en 1993, Michael Kamen quedó con James Hetfield de hacer un trabajo sinfónico. Seis años después, Hetfield llama a Kamen diciéndole ‘hagámoslo..’. Kamen ni se acordaba de lo que habían acordado.

Grabado en el Berkeley Community Theatre en California, Metallica consigue reencantar a muchos seguidores perdidos desde el lanzamiento de ‘Load’ con algunas versiones de este registro en vivo. Dentro de este fenómeno ‘a medias’, sale ‘No Leaf Clover’.

Tal vez una de las últimas canciones compuestas y hechas para una ocasión roquera / sinfónica de gran nivel.

Su madre realizó una entrevista en 2007 donde contaba lo preocupada que estaba por su hijo, especialmente por la cantidad de drogas que consumía y cómo se transformaba cada vez que lo hacía. Cristina Álvarez, la madre, dijo cuando consume “su vida tiende a ser un caos” y que es incapaz de disfrutar la vida.

Foto: Internet

Pity Álvarez

En 2009,  se supo que al Pity lo tuvieron que internar por una lesión irreparable en su pene luego que consumiera una droga que tuvo como consecuencia que tuviese una erección de casi 24 horas. Luego de ese episodio lo internaron en un psiquiátrico, pero esto no dio muchos resultados.

La droga y su hija

Recordemos que en noviembre del 2012 sus declaraciones respecto a su hija y las drogas dieron mucho que hablar. “A mi hija le diría que pruebe la droga sólo cuando sienta ganas, cuando quiera experimentar cosas lindas”, esas fueron sus palabras a los 11 meses de que su hija Blondie naciera, lo que puso en duda si es que sería un buen padre.

Lo contradictorio de sus declaraciones era que por la llegada de su hija, el vocalista de Viejas Locas, había dicho que ya no consumiría más y que estaba en progreso para dejar las drogas en rehabilitación.

El pasado 30 de abril, el Pity fue detenido luego de discutir con su banda actual, Viejas Locas, y romper un plasma en el bus que se encontraba. El chofer lo hizo bajarse y devolverse junto a su pareja, cuando la policía local lo detuvo y lo mantuvieron así tres horas aproximadamente para luego enviarlo de vuelta a Buenos Aires.

Sus fans, que demuestran su cariño mediante la defensa, dicen que a pesar de todas sus polémicas, es un gran hombre que entrega cariño a sus fans y siempre saluda en la calle, que es una persona vulnerable que no tiene la culpa, además que ahora está en proceso de dejar su “lado oscuro”.

A pesar de su último problema, Pity Álvarez se ha mantenido fuera de problemas con drogas en el último tiempo, por lo que quizás éste solo fue un episodio de cólera. De todas maneras, seguirá siendo un gran músico del rock.

Foto: Agencias

Nacido en Ohio, este frontman puede ser denominado un genio de la música.

Dentro de la formación del nuevo rock de nuestros días, Keenan es considerado uno de los pioneros. Junto a su banda Tool fue uno de los primeros en aplicar el rock a una nueva dimensión electrónica – matemática, como se demuestra en el álbum Lateralus.

Para que hablar de A Perfect Circle, una agrupación que sin lugar a dudas tomó la bandera del rock oscuro post siglo XXI. Si a eso le sumamos una enorme cantidad de cooperaciones en producción, proyectos paralelos y colaboraciones, hablamos de un frontman que trasciende más allá de su solidez en escena.

Foto: Agencias

Este oriundo de Suecia ha sido catalogado por los expertos por la imagen del nuevo garage rock, como también es pieza principal de según muchas revistas, la mejor banda de rock en vivo de la actualidad.

Siguiendo los pasos escénicos de Mick Jagger, Amqvist es el puntal de una mezcla interesante y explosiva, combinando elegancia y crudeza a la vez. Una voz gritada y real, como una ráfaga de frases irónicas pero de mucho sentido.

The Hives como conjunto ya es algo digno de ver, pero la exigencia como producto del rock es altísima, y Amqvist no sólo la cumple… La supera.

Foto: Agencias

La mayoría sabe que este nacido en California es el vocalista de una de las bandas punk rock más longevas y vigentes de la actualidad. Pero hay algo que muchos no saben.

Armstrong es también vocalista y cofundador de Pinhead Gunpowder, una de las bandas más importantes e influyentes del punk californiano de principios de los 90’s. Es por ahí que tal vez la principal razón del por qué GreenDay ha llegado al sitial evolutivo donde está.

Y claro, Dookie fue su álbum de explosión en el mercado, pero la banda lleva muchos años antes haciendo ese punk melódico skater crudo. Y saber renovarse y mutar sin perder esa esencia en la actualidad es difícil.

Sumémosle un show en vivo potentísimo y generoso con el público, lleno de chistes y ridiculeces, pero también con una calidad excelente y un repertorio extenso.

De eso es forjador Armstrong, con una voz lejos de las más duraderas en un concierto, sin fallas ni baches. Eso y una teatralidad neurótica al frente del micrófono. Francamente notable.

Pinche aquí para ver el vídeo

Foto: Agencias

Grohl pasó de ser un irreverente baterista de una de las bandas más influyentes del grunge a ser el líder de una banda inmortal, vanguardista y por sobre todo de calidad más allá de la industria.

Grohl es el alma matter de una banda que traspasó y sobrevivió cada ola de cambios y mutaciones en el mercado. A pesar de la fuerte entrada del hip-hop y la música electrónica, Foo Fighters fueron los únicos que se mantuvieron en el top de los rankings. Eso es un gran argumento.

En lo que respecta al show, Grohl es sinónimo de energía y electricidad. Una voz filosa y penetrante sumado a un concepto de rock lleno de riff.

Un personaje que se ha preocupado en los momentos más difíciles de mantener el rock a flote… Se agradece.

1) Eddie Vedder (Pearl Jam)

Cuando una banda grunge sobrevive por tanto tiempo siendo referente del género es porque sus componentes son parte de una sinergia pocas veces vista en el rock, de esas parecidas a The Beatles o Queen. Eso pasa con Pearl Jam.

Uno de los forjadores de este fenómeno es Eddie Vedder. Una voz única e irrepetible que ha ido acoplándose a todos los cambios que Pearl Jam ha ido recibiendo durante su carrera.

Desde un clásico grunge a este post rock folk de hoy, Vedder ha sabido mantener un sello clásico y magnético. Pasó de saltar de la iluminación en sus inicios a ser un líder al cual los años no lo envejecen, lo mejoran.

Manteniendo su explosividad de antaño con la madurez de hoy, Vedder es por lejos el mejor frontman actual. Oficio, voz y creatividad concentradas en una sola persona…

En el año 2010 el mundo del rock se impacto con las últimas palabras de esta famosa banda: “Adiós a The Killers”, cuando anunciaron que se tomarían “un año sabático”. En ese entonces se decía que tenían varios problemas internos y así se despedían de los escenarios.

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La banda nativa de Las Vegas llevaba 5 discos: Hot Fuss (2004-2006), Sam’s Town (2006–2007), Sawdust (2007-2008), Day & age (2008-2010) y Battle Bom (2012).

La llegada del 2013 trajo sorpresas para los fanáticos de The Killers. Es así como el vocalista Brando Flowers declaró en una entrevista con  The Rolling Stones que  “este tiempo separados fue como estar en un entrenamiento”.

La banda de Rock alternativo ha ganado varios premios en su trayectoria  musical, 4 premios de NME Awards, 2 en NME Awards USA y 2 premios Brit como mejor banda internacional y mejor álbum internacional con Sam’s Town.

The Killers se encuentra totalmente renovado, con una gira mundial, la cual tiene como nombre su última producción  “Battle Bom”. En Latinoamérica realizaron 8 conciertos, el último fue en la Ciudad de México, pero aun así les quedan muchos conciertos por realizar en Norteamérica.

1. El sistema de pulseras evitó congestión en las entradas e hizo mucho más rápido el ingreso.

Lollapalooza Chile creo un sistema de pulseras, las cuales fueron entregadas de lunes a miércoles (justo antes del evento) a todo aquel que se acercara con su entrada al local del evento en el cuarto piso del costanera center.

Aunque hubo mucha gente que no lo hizo, el sistema resulto muy eficiente.

Además, la pulsera tenía un identificador con un sistema sensor, el cual debía ser activado de forma correcta para cuando al pasar y los guardias probaran la validez de las pulseras con las máquinas, no hubiese problemas. Este sistema impidió la falsificación.

2. Uno de los auspiciadores, Adidas, estuvo entregando agua potable al público durante todo el día.

Foto: Jorge Sepúlveda

The Hives estuvo entre los más destacado de Lollapalooza 2013.

Los dos stands para entregar agua, donde también te entregaban vasos plásticos, estaban constantemente tirando agua tipo pileta para refrescar a todos los que se acercaban a pedir un vaso de agua.

3. Si es que te cansabas en algún punto, crearon un espacio llamado “jardín del Tíbet”. Acá podías recostarte en el pasto mientras tocaban música mucho más calmada, para que pudieras relajarte.

Lo malo

1. El primer día, al abrir con sólo 30 minutos de anticipación las puertas, se produjo un colapso en una de ellas, la principal, por lo que carabineros tuvo que cerrarla por un momento. Esto provocó que las personas tuvieran que dar toda la vuelta para encontrarse con el otro ingreso, además de alargar aún más las filas, especialmente para las personas que no retiraron la pulsera a tiempo y llegaron con el ticket. Esas colas tuvieron al menos 35 minutos de espera.

El segundo día todo fue con más normalidad porque ya la mayoría tenía sus pulseras.

2. El precio de las comidas era muy alto; casi $ 2.000 pesos un pedazo de pizza, 4.000 una simple hamburguesa, son algunos de los ejemplos.

Lo entretenido:

1. Existieron muchas instancias para la entretención donde las dos que más destacaron fue una de Adidas donde las personas realizaban distintas actividades para ganarse premios, como escalar, subirse a un toro o encaramarse en lo que parecía ser una guitarra.

Y el otro destacado fue en un sector de LG que ofrecía realizar el Harlem shake con tus amigos y disfraces incluidos en una habitación cerrada y ambientada, todo esto mientras te grababan.

Los grupos más aclamados

1. El primer día el escenario que más tuvo público durante el día fue el Claro Stage, con Gepe, Hot chip, Two Door Cinema Club, The Hives (donde esta cronista se desmayó al golpearse en el pecho contra otra persona, al estar al medio y muy cerca del escenario. La tuvieron sacar rápidamente y luego los paramédicos se encargaron) y para terminar Pearl Jam, quien causó absoluto furor.

Al final del día, solo dos artistas quedaban por salir, pero Pearl Jam fue tan aclamado que “kaskade”, un dj electrónico, tuvo menos del 30% de su escenario lleno, el cual era el LG optimus Stage.

La desesperación de las personas por ver a Pearl Jam llegó a tal punto que comenzaron a subirse a las torres de parlante y costó mucho para que los guardias lograrán sacar a todas las personas de ahí, quienes no hacían caso a las órdenes.

En un momento el vocalista del grupo paró la música para pedirle a todos que dieran 3 pasos hacia atrás porque la personas adelante estaban siendo aplastadas.

El show término con fuegos artificiales.

2. El segundo día los mejores grupos de repartieron entre Claro Stage y Coca Cola Stage.

Keane fue este día uno de los más aclamados junto con Perfect Circle, Franz Ferdinand, desdmau5 y para finalizar The Black Keys.

El show también término con fuegos artificiales.

No es extraño que la venta de entradas del evento creado por Perry Farell haya casi triplicado la cifra del festival que produce Transistor. El tremendo manejo comunicacional del lineup de esta versión fue la clave para el seguro éxito de esta versión.

Para disfrutar al máximo de esta entrega, uno debe planearse con tiempo. Poco a poco los chilenos han empezado a culturizarse con esta práctica y revisan con detalle los horarios y escenarios de cada artista.

Aquí damos algunos imperdibles, otros tapados que vale la pena ver y algunos tips de posicionamiento y llegada en el Parque O’Higgins:

SÁBADO 6 DE ABRIL:

Foto: Agencias

Pearl Jam

- Banda Conmoción: No hay mejor manera de empezar el día que con una de las bandas de cumbia más vanguardistas de la camada chilena. Más de 12 músicos en escena, sumados a una atractiva propuesta visual y coreográfica compuesta por diversos bailarines y malabaristas, hacen de esta agrupación con casi 13 años de historia una buena alternativa de empezar el Sábado muy prendido, porque créanme… LO SON. 11:45 CLARO Stage.

- Carla Morrison: Si prefieres volcarte a lo alternativo más tranquilo para guardar fuerzas, esta mexicana la viene rompiendo hace rato con una propuesta mucho más directa y dura que sus predecesoras (Julieta Venegas, Ximena Saritama). Interesante show en vivo y un sonido bien trabajado… para escuchar y aplaudir. 12:00 PLAYSTATION STAGE

- Chancho en Piedra: Todos sabemos quiénes son y qué presenta esta longeva banda de funk rock chilena, pero siempre en estos festivales masivos nos muestran entretenidas y originales propuestas en escena. Si lo sumamos a un playlist 100% probado, los marranos son parada imperdible del Sábado. 13:15 COCA COLA STAGE

- Alabama Shakes: Uno de mis tapados IMPERDIBLES. Una banda de blues de raíz con un sonido fuera de serie y que ha compartido su música a través de las redes sociales y su página online, usando un antiguo concepto de difusión del rock sureño estadounidense aplicado al hoy. Parte de la nueva generación de este rock primitivo y de raíces folk (The Black Keys) continuando el camino de bandas como Black Crowes o The Blues Brothers. No se arrepentirán… Aclamados ya en Lollapalooza México y Brasil. 14:45 PLAYSTATION STAGE

- The Hives: No hay mejor previa a los platos fuertes del Sábado que una banda energética, irreverente pero elegante a la vez. Estos suecos siempre son promesa de buen show, y en esta versión de Lollapalooza no será la excepción. Vienen de una exitosa gira en Europa y están considerados por la revista Spin como la octava mejor banda de rock en la actualidad. 18:00 CLARO STAGE

- Queens of the Stone Age: Una de esas bandas favoritas de la comunidad rock en Chile. De la generación 2000 del ‘nuevo’ rock independiente, vienen en pleno proceso de masterización de su nuevo disco que empezaron a grabar en Agosto del año pasado. No descartemos algún adelanto… 19:15 COCA-COLA STAGE.

- Pearl Jam: Sin lugar a dudas la principal atracción de esta versión de Lollapalooza 2013. Dos horas y cuarto es el tiempo estimado de su show, donde se espera una mezcla de clásicos con sus nuevas creaciones más apegadas al folk que han causado revuelo en todo el mundo, y que poco a poco catapultan a estos clásicos del grunge al olimpo de la historia del rock. 20:45 CLARO STAGE.

TIPS para ese día: Los horarios de Lollapalooza no son ‘a la chilena’… Se cumplen a cabalidad, por lo que llegar a las 11:00 es más que bueno para una entrada expedita. Ya que Pearl Jam es el número excepcional de este festival, habrá mucho posicionamiento de fans desde temprano en el Claro Stage, que lo más seguro es que se agrande para el show de los oriundos de Seattle. Hay que ir con la idea que no todos los shows se podrán ver íntegramente.

DOMINGO 7 DE ABRIL:

Foto: Agencias

The Black Keys

- Gary Clark Jr. : La nueva revelación del blues solista es otro TAPADO imperdible. Viene de actuar con los grandes de la guitarra como B.B. King, Jeff Beck y Buddy Guy entre otros. La revista Rolling Stone lo nombró el 2012 como una de las promesas del rock y viene a demostrar su potente show. 14:00 CLARO STAGE.

- Foals: La nueva promesa del indie británico trae un show con nuevos sonidos, mezclando un poco del progresivismo de Muse con el ‘math’ rock de bandas como Tool. Una propuesta interesantísima que nos puede dar luces de este nuevo rock ‘electrónico’ que vimos en la edición del año pasado con la revelación del festival Skrillex. 16:30 PLAYSTATION STAGE.

- Tomahawk: Los liderados por el regalón Mike Patton son la carta para los que ya se que quieren asentar directamente en el bloque estelar del Domingo. Con muchísimos fanáticos en nuestro país, aseguran lleno seguro para esa hora y una presentación a todo volumen. 16:15 CLARO STAGE.

- A Perfect Circle: Una hora y quince minutos será el show aproximado de una de las bandas más esperadas en este Lollapalooza 2013. Después de un breve receso en el 2011, su show en vivo viene recargado con una mezcla entre antiguos y nuevos éxitos. Una perfecta antesala para el cierre. 18:45 CLARO STAGE.

- The Black Keys: Por lejos la banda del momento en el rock actual. Usando antiguos recursos musicales y trayendo de vuelta la crudeza del sonido rock sin intervención, estos oriundos de Ohio son por lejos el número más actual y con más pergaminos de este festival. Sabemos que Pearl Jam es ‘la’ banda de Lollapalooza 2013, pero The Black Keys es un acierto absoluto de la organización, trayéndolos en su mejor momento dentro de su ascenso. Robert Plant y ZZ Top han declarado públicamente su fanatismo por esta agrupación, que dejará una huella en el público asistente. 21:30 CLARO STAGE

TIPS para ese día: Entre A Perfect Circle y The Black Keys hay un espacio donde existen dos alternativas de alta calidad para esperar con buena música: Los Tres se presentan en el PLAYSTATION STAGE a las 19:30, mientras que uno de los raperos más consolidados en el mercado NAS se presenta en el LG OPTIMUS STAGE desde las 20:00.

Mucho ojo con el sonido de Gary Clark Jr. que trae un soundset muy clásico, casi sesentero. Una joya.

El Flaco Spinetta nació en 1950 y desde muy pequeño, antes de aprender a tocar cualquier instrumento, comenzó a imitar canciones y luego a componerlas. El primer instrumento que aprendió a tocar fue la guitarra y no necesitó muchas clases más porque en poco tiempo se hizo un músico autodidacta, y a los 12 años ya podía sacar el tema que él quisiera.

Foto: El Mercurio

En esa época el rock se cantaba en inglés y jamás en español, sin embargo, Spinetta tenía ya varias canciones compuestas que mezclaban el tango, el folklore y el rock, cantadas en español, que solo interpretaba estando en familia, pero no pasó mucho tiempo para que se hicieran conocidas en toda Latinoamérica.

Tuvo, además, otros grupos entre los que se encuentran; Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto.

Ha sido reconocido en varias ocasiones por la revista Rolling Stone, así como con el primer álbum de Almendra y en el 2002 la canción Muchacha (ojos de papel) se le otorgó el segundo lugar como mejor canción de todos los tiempos del rock argentino. Pero el más importante lo recibió con su álbum Artaud, el cual se llevó el título del mejor álbum de la historia del rock argentino.

El show más grande de su carrera fue el 2009, cuando celebró 40 años de su carrera junto a las bandas que alguna vez conformó. El espectáculo duró cinco horas y media con más de 40 mil personas presentes y es considerado el recital de la década.

Fue un par de días luego de su presentación en Chile el 2010 para el Festival del Abrazo, que se enteró de su enfermedad.

El 8 de febrero del 2011, a causa de un cáncer al pulmón, el Flaco Spinetta  murió dejando un legado enorme para el rock argentino y en Latinoamérica. Sus cenizas fueron esparcidas por el Río de la Plata, tal cual como el padre del rock argentino lo quiso.

Foto: Radio Horizonte

El cierre de Radio Horizonte entristeció a sus seguidores.

Continuaría la fase conclusiva Fina Selección, el único espacio que logró superar más de dos mil programas de manera ininterrumpida, desde los nuevos aires que caracterizaron a Horizonte de la mano de Julián García-Reyes S., repasando su fuerte: MGMT, Bowie, The Strokes, Hot Chip, Hercules and Love Affair, Bag Raiders, Astro, Metronomy, Passion Pit, LCD Soundsystem… En apariencia, “despedirse bailando” fue el lema impuesto. O “Bailar y Llorar”, como decía un álbum de Teleradio Donoso… Arcade Fire con Wake Up, el fin de transmisiones (la peor parte a las 23:59 del 18 de marzo), y el salto a Stop!, de Erasure (de la parrilla que ofrece Top, la nueva propuesta de la 103.3), fue el quiebre total.

Los géneros por sobre todo

Ya da lo mismo si hubo “hipsterismo” –otra arista instalada en el país sobre las tendencias abrazadas y potenciadas por el medio y por muchos de sus seguidores–; si no lo hubo; si invadió con la supremacía del sintetizador (declaración bastante positiva, por lo demás)… El punto es que se siente la ausencia al sintonizar el equipo de la casa o la radio del lugar de trabajo. Así, se agradece considerablemente el mapa interminable de material: cantidades de discazos impecables y de gran factura; unos, pegajosos en los carretes; otros, que no son pasados regularmente en radio Zero –de ADN similar–… (Hasta recuerdo el programa sobre cine, Chilecorto, que conducía Diego Muñoz por allá, por el 2007)…

El catálogo amplísimo –que contempló a Camera Obscura, Antony and the Johnsons, The Knife, Washed Out, Kid Loco, Röyksopp, Thieves Likes Us, Cansei de Ser Sexy o las referencias del pop chileno actual– penetró con más destreza y, de cierta manera, con  “horizontalidad” en la audiencia. Permitiría, a su vez, que coexistiera junto a  Nirvana, Cocteau Twins, Faith No More, Jane’s Addiction, Johnny Cash, R.E.M., Sublime, Lauryn Hill… Al final de todo, fue una mixtura de arriesgo que raramente no fue vapuleada en términos masivos durante su vida en el dial. Peculiaridad, si somos conscientes de que destacamos por fraccionar y clasificar cualquier cosa que surja.

Castro, casi en la media hora final al aire, comentó que algunos de sus compañeros –incluyendo a Cha Giadach– habían estado grabando para un documental sobre la vida y obra de Horizonte. No cabe duda, que cuando el material llegue a salir, si es que ve la luz, será rápidamente difundido mediante las redes sociales (todo se filtra por ahí primero, dicen). Registros con aires de homenaje del mismo equipo a la que fue su fuente laboral.

Que continúe la Horizonte online es un salvazo, entre comillas, para los más cautivos (aunque no se siente igual). Salvazo que no existió, a partir del 31 de diciembre de 2010, para otros auditores (me incluyo) cuando reformularon la Rock & Pop, otra pérdida agresiva por donde se le mire.

Moraleja: Perder una radio, si hay fidelidad, es perder una amistad entrañable de años.

Escuchen la despedida:

Nacido el 5 de marzo de 1970, las circunstancias posibilitaron que de seguidor incondicional y amigo del grupo californiano pasara a sus filas. Eso sí, un evento clave y trágico si se menciona la muerte de Slovak, el entonces guitarrista, por abuso de heroína. De todas formas, la lección no fue aprendida por el que alguna vez admitió su anhelo de ser estrella, consumir drogas y rodearse de mujeres, antes de intentar audicionar para la banda de Frank Zappa, opción que finalmente desechó.

Foto: Agencias

Pero las tribulaciones no cesarían: el incendio de su residencia y la pérdida de sus preciadas guitarras lo flagelan –asimismo, su cuerpo resulta lesionado–, aunque esta vez para recapacitar y, aconsejado por cercanos, acepta desintoxicarse. Explorar la espiritualidad y meditar fueron los recursos para un nuevo despegue, según ha declarado en más de una oportunidad. Su fase con los Chili Peppers se recompone: Kiedis junto a Flea lo reincorporan, iniciándose un segundo período con la edición de Californication, de 1999. Así continuarían conquistado al mercado y a los cautivos –en el buen sentido– fans con By the way y, posteriormente, con una recepción más tibia de Stadium Arcadium –“su último capítulo” en conjunto–. (Alain Johannes ha dicho que Kiedis está lejos de ser “un gran tipo”. La inclusión de Frusciante podría interpretarse como una estrategia para repotenciar a la marca de California que iba en declive. Que cada uno le otorgue la lectura que desee).

Recapitulando, durante una mitad de la década del noventa vivió un infierno que podrá haber despojado paulatinamente de sus reminiscencias, pero no de su cuerpo. Los abscesos de sus brazos –ya tatuados– son muestras fehacientes de aquel deterioro de la piel y de los que se atreve a hablar con cierta soltura en un dvd del grupo, tras aceptar aparecer con el torso desnudo en el videoclip Californication, dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris.

Gran carrera

Ni el apartamiento de los californianos implicó que durante la tormenta se evitara cimentar una prolífica carrera de solista. Gradual, a partir de 1994, aunque ya fecunda al editar seis trabajos casi al hilo entre comienzos de 2004 y 2005. He ahí la presencia de hiperactividad creativa, pero que confunde al cuestionarse cómo pudo fijar, si a duras penas transitaba entre la inconsistencia física y emocional. Progresión que fue sustentada por el amplio abanico de sonidos y géneros que lo influyen: Hendrix, Led Zepellin, Joe Strummer, Kraftwerk, The Smiths, The Cure, Fugazi, Syd Barrett –la nómina suma y sigue–, y que definen también el porqué no se sosiega con las texturas de guitarra alternadas placa tras placa. ¿Será el motivo central que lo ha llevado a instalarse en las no siempre despreciables listas de lo mejor de la historia musical? Apostemos esta vez por un sí. Más de diez álbumes editados y las infaltables colaboraciones –contando el soundtrack de The Brown Bunny, de Vincent Gallo– lo avalan.

Es una tradición exaltar en esta esfera –movida por el morbo ciertamente– “la maldición de los 27”, la supremacía del alcohol y las drogas, las miserias del rockstar, o de hablar de la incapacidad de aprender a saborear de los éxitos en la medida precisa. Todos los años, ya es parte del ritual, se seguirán escribiendo más páginas sobre los pasajes caóticos de los grandes del hemisferio creativo. De todas formas, el protagonista de este artículo que osciló en un abismo –que curiosamente no reconoce como tal– y enfrentó sus propios delirios, acaba de cumplir los 43.

Duro y frontal. Este británico adoptó su manera de tocar en el interminable ‘nomadismo’ que vivió con su familia en su niñez. En muchos de esos viajes presenció en vivo a The Beatles. Se enamoró del sarcasmo de su puesta en escena, sobre todo la de Lennon… Ahí comenzó todo.

Lemmy no es un virtuoso de escalas ni un avezado ejecutor técnico, pero posee una tremenda cualidad: construir una de las bandas ícono del heavy metal británico de principios de los 80’s a través de su instrumento.

Un sonido Rickenbacker lleno de potencia y filoso, forjando una columna vertebral para cada canción como si fuera forjada en acero sólido.

Si uno quita la línea de bajo de Ace of Spades o de Born to raise hell, son sólo ruidos. La agregamos y nos resulta un metal explosivo y sin tapujos.

Todo eso lo sumamos a una potente presencia escénica y una voz única (acorde con su bajo), y nos da un ejecutor fuera de serie.

9) Les Claypool (Primus)

Una técnica única, amalgamada entre los sonidos de Stanley Clarke y pedazos de metal, funky y flamenco.

Este californiano debe ser sin lugar a dudas el más virtuoso de los veinte que están en esta lista. Claypool es además un eximio contrabajista, clarinetista y violinista. Está claro que tiene muchos lugares de donde sacar ideas.

Tras la muerte de Cliff Burton, Metallica comenzó a audicionar bajistas… Claypool fue a estas audiciones (siendo muy amigo de Kirk Hammett desde su etapa escolar) y no quedó. La razón esgrimida por la banda: Era demasiado bueno… y lo sigue siendo.

Si sonido es absolutamente único, tomando en cuenta que puede combinar el ‘slap’ de la escuela funk con el metal de manera grandiosa, combinando efectos y escalas que pueden verse plasmadas de manera única en Primus, su ópera prima en la fusión de estilos y que siempre brinda los mejores espectáculos en vivo.

8. Geezer Butler (Black Sabbath)

Un oriundo de Birmingham que junto a la banda liderada por Ozzy se transformó en un ícono del rock clásico. No sólo por lo dicho anteriormente, sino que también por su manera de tocar, influencia directa a gigantes como Steve Harris o Cliff Burton.

Geezer destaca por su violenta manera de sacar sonidos al bajo. Rompió el molde del bajista estático en escena, sintiendo el rock y golpeando las cuerdas para provocar un sonido artesanalmente duro, dejando ver mucho más una intencionalidad cruda de ser protagonista. Una leyenda viviente del bajo.

7) John Paul Jones (Led Zeppelin)

El caso de Jones es una simple suma de factores. A principios de los 60’s ya era un conocidísimo bajista de sesión y arreglista en Inglaterra, trabajando con gente como Jeff Beck, The Outlaws, Donovan, Cat Stevens e incluso The Rolling Stones.

Su tremendo trabajo como bajista, compositor, instrumentista y arreglista lo llevó a Led Zeppelin. La suma de su talento a Page y Plant no se hizo esperar, y Jones se transformó en la columna vertebral del sonido de los británicos.

Un bajista que, no queriendo ser muy protagonista, fue pieza clave en los arreglos de Zeppelin. No sólo en bajo… Su experticia en piano y mandolina destaca en canciones como No Quarter y The Battle of Evermore, haciéndolo un músico de excepción.

En resumen, un ejecutor que es clave en el éxito de una de las bandas más importantes del rock, sin lugar a dudas es un bajista de los grandes.

6) Geddy Lee (Rush)

Si Geezer fue influencia, este canadiense puede ser catalogado como el Frank Zappa del bajo.

Steve Harris, Nicki Sixx, John Myung, Les Claypool, Cliff Burton. Son sólo algunos que han reconocido a Lee como principal influencia.

Un músico todo terreno. Arreglista, compositor y cantante de una de las bandas más potentes del rock progresivo: Rush.

Fiel al sonido Fender Jazz Bass, Lee es un ejemplo de cómo un bajista se vuelve parte de un todo siendo protagonista. Su técnica es de las más limpias y pulcras del planeta, destacando su precisión y rítmica casi de reloj suizo.

Según la revista Rolling Stone, es un capricho de la naturaleza. Creo que no existe otra explicación para definir a este monstruo del bajo.