A partir de entonces, el look del Rey del Pop iría mutando progresivamente, mientras su piel se hacía cada vez más blanca y su rostro exhibía los resultados de, supuestamente, nuevas operaciones estéticas que harían aún más delicados sus rasgos faciales.

En la siguiente fotografía, tomada en 1978, antes de la grabación y lanzamiento de “Off The Wall” (el primer álbum solista del cantante), y un año antes de su primera operación a la nariz, podemos ver cómo lucía el Rey del Pop cuando sólo tenía 20 años. En la imagen Michael aparece sin polera, con su color de pie natural, con sus rasgos faciales originales y con un frondoso estilo capilar de marcados tintes afro. El contraste entre esa juvenil fotografía y su último look antes de fallecer en junio del 2009, a los 50 años de edad, es, por decir lo menos, bastante notorio.

Tras volver a Viena y tocar como bajista en algunas bandas locales, el músico se bautizó a sí mismo con el sobrenombre artístico de Falco, en un supuesto homenaje al esquiador alemán Falko Weisspflog.

En 1982 Falco emprendió una carrera en solitario al lanzar su álbum debut, “Einzelhaft”, que incluiría el primer éxito de su carrera, “Der Kommissar”, una suerte de rap con una base musical funky y repetitiva, interpretado totalmente en alemán, y cuya letra trataba sobre el consumo de drogas. El grupo británico After The Fire grabaría al poco tiempo una versión de esta canción en inglés, que tendría aún más éxito que la grabación original de Falco.

El segundo álbum de Falco, “Junge Roemer”, encumbró la canción homónima en algunos charts europeos, pero sería su tercer disco, “Falco 3″, lanzado en 1985, el que lo consagraría al artista austríaco artística y comercialmente, gracias al single “Rock Me Amadeus”, otra canción interpretada como un rap que llegaría al número 1 de la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos por tres semanas consecutivas. El single también alcanzaría el número 1 en Europa y otros países del mundo, incluyendo la Unión Soviética y Japón.

El álbum “Falco 3″ se convertiría en superventas gracias al éxito de “Rock me Amadeus” y otros hits internacionales como “Vienna Calling” y la balada “Jeanny”, tema controversial por su letra, que describía la sórdida historia de una muchacha desde el punto de vista de un violador y posible asesino.

Después del lanzamiento de su cuarto álbum de 1986, “Emotional”, la carrera internacional de Falco empezaría a declinar paulatinamente, mientras el cantante sufría de problemas por el consumo reiterado de alcohol y de drogas. Su ex manager, Horst Bork, de hecho, relataría que el artista austríaco perdió un contrato millonario en 1986 tras perder un avión a Londres debido a que se encontraba totalmente ebrio.

En 1986 Falco y su esposa Isabella fueron padres de una niña a la que llamaron Katharina. Sin embargo, en 1990, el cantante comenzaría a tener dudas sobre la paternidad de la niña y un test de ADN que se realizó no entregó resultados concluyentes, por lo que el artista decidió dejar a la menor fuera de su testamento.

Falco lanzaría su último disco en 1992 y dos años más tarde se radicó en Republica Dominicana, para trabajar en su propio estudio de grabación y retornar con nuevo material al mundo de la música.

En ese país, Falco fallecería el 6 de febrero de 1998, a los 40 años, luego de que su automóvil se estrellara contra un autobús mientras salía de una discoteca, tarde por la noche.

Los restos del cantante fueron sepultados en el cementerio central (Zentralfriedhof) de Viena, en una ceremonia a la que asistieron más de 4.000 seguidores, quienes se congregaron en una tumba dedicada en su honor.

Hoy, Falco es considerado un precursor de la música pop europea de los años 80′, pues con su canto hablado en alemán mezclado con inglés con elementos de rock, masificó una nueva forma musical, años antes de que la ola del rap cruzara el océano hasta Europa.

El músico y periodista Rupert Leutgeb aseguró que “Falco es el padrino del rap blanco. El austríaco estuvo adelantado a su tiempo en muchos aspectos.”

Video de Falco: “Rock me Amadeus” (1985):

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Video de Falco: “Der Kommissar” (1982):

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Se cuenta que antes del rodaje de esa cinta, De Niro se acercó a Rourke y le sugirió que evitaran interactuar fuera de cámara para mantener la autenticidad de la relación de confrontación de sus personajes en la película. De Niro le habría dicho: “Creo que es mejor si no hablamos, por los personajes de la película. Es mejor si no nos saludamos, ni hablamos ni nada”.

Rourke, que era un gran admirador de De Niro desde su película “Taxi Driver”, se sintió molesto con la sugerencia y estimó que la reacción de De Niro se había originado debido a un incidente en el que Rourke, durante el rodaje de “Corazón Satánico”, le dio consejos de actuación, lo que habría herido el ego de De Niro.

“Lo llevé de nuevo a la escuela de actuación. Antes de eso, ningún otro actor lo había hecho. Me hirió un poco los sentimientos que me dijera que no debíamos hablar fuera del rodaje, porque lo admiraba mucho. Ya no lo admiro; miro a través de él. Surgí de la mierda. Él no conoce esa vida, yo sí”.

Desde entonces, los dos actores quedarían enemistados públicamente. Rourke, cada vez que podía, decía que De Niro lo había desilusionado como actor y como persona, mientras que De Niro sólo comentaba sarcásticamente que “le deseo al Sr. Rourke mucho éxito en su carrera”.

La confrontación entre ambos se reavivaría años más tarde, cuando Mickey Rourke acusó a De Niro de impedirle ser elegido para participar en la película “The Irishman”, de Martin Scorsese.

“Martin quería reunirse conmigo para hablar de una película con Al Pacino, Joe Pesci y Robert de Niro, pero la persona del casting le dijo a mi representante que De Niro había dicho que se negaba a trabajar conmigo en una película”, comentó Rourke.

Ante aquello, mediante su cuenta personal en Instagram, Mickey Rourke despotricó contra el famoso actor italoamericano: “Hola Robert De Niro. Sí, estoy hablando contigo, maldito llorón. Un amigo me ha dicho recientemente que hace algunos meses dijiste en una entrevista a un periódico ‘Mickey Rourke es un mentiroso y dice todo tipo de mierdas’. Escúchame ‘Sr. Tipo duro’. Eres la primera persona en toda mi carrera que me llama mentiroso y encima lo haces en un periódico. Deja que te diga algo… Cuando te vea, juro por Dios, por mi abuela, mi hermano y todos mis perros que te avergonzaré un 100%. Pongo a Dios pongo como testigo, Voy a ir a Nueva York en los próximos meses para asegurarme de que este encuentro ocurra”.

Si bien ambos actores nunca han vuelto a cruzarse y De Niro ha guardado un silencio absoluto sobre el tema, es evidente que Mickey Rourke todavía alberga resquemores hacia el que fuera su antiguo ídolo.

El título del disco (“Montar el relámpago” o “Cabalgar el relámpago”, en español) fue tomado por el guitarista Kirk Hammet de un pasaje de la novela “The Stand” de Stephen King, donde un personaje usa la metafórica frase para referirse a la ejecución en la silla eléctrica.

“Fui yo quien descubrió la frase ‘Ride the lightning’. Fue cuando grabábamos el primer álbum, cuando nos alojábamos en casa de un tipo llamado Gary Zefting. Estaba leyendo el libro ‘The Stand’ de Stephen King, esperando interpretar mis partes, y leí esa frase”, relató Hammet.

Cuando Hammett le mencionó la evocadora frase a James Hetfield, el líder de Metallica se animó a escribir la canción “Ride the Lightning”, escrita desde la perspectiva de un asesino convicto condenado a morir en la silla eléctrica. Con sus oscuras implicancias de violencia primigenia, energía desatada y emociones inesperadas, la frase también pareció describir el nuevo enfoque musical de Metallica, por lo que el grupo la adoptó como un título adecuado para su segundo álbum de estudio.

“Ride the Lightning” se lanzó el 27 de julio de 1984 a través del sello discográfico Megaforce Records en EE. UU. y en el resto del mundo con diversos sellos pequeños. Seis semanas después, Metallica firmaría un contrato con Elektra Records, que relanzó el álbum en noviembre del mismo año.

Curiosamente, la versión de “Ride the Lightning” que se lanzó en Francia en 1984, a través del sello Bernett Records, salió en color verde esmeralda en lugar de azul oscuro debido a un error de impresión, un error que privó a la imagen de portada original de su oscuro misterio.

No obstante, debido a la rareza de la edición de Bernett y al hecho de que se trató de una edición limitada -con un número estimado entre las 400 y 2000 copias-, el álbum verde de “Ride the Lightning” se convirtió con el paso del tiempo en uno de los artículos de coleccionista más raros y buscados del catálogo de Metallica, con copias que llegan a costar hasta 200 dólares.

Cuando el cantante y compositor George Michael, su socio musical, vio la nota y la frase en la casa de los padres de Andrew, tuvo un momento de inspiración, ya que la frase le recordó un “go-go”, un club de baile. Entonces se le ocurrió componer una canción alegre cuya letra hablaba de un chico locamente enamorado de una chica que salía a bailar antes que él despertara, por lo que la canción era una declaración de amor y una súplica del chico a la muchacha para que no volviera a bailar sin él.

Esa misma tarde George Michael se sentó al piano y compuso la melodía de la canción inspirándose en el sonido de los grupos vocales de los años 50′ y 60′, especialmente los del sello Motown.

“Había hecho un demo en casa que sólo tenía una línea de bajo y una voz. Normalmente, escribo el disco mentalmente; sé cuáles serán todas las partes y se las canto a todos nuestros músicos. Y fue genial. En realidad, lo hicimos como ensayo. Usamos un LinnDrum porque el baterista llegó tarde, y era una pista tan buena que la conservamos”, recordaría George Michael.

El talentoso cantante y compositor británico, además de la música, también compuso rápidamente la letra, dándole un toque nostálgico, incluyendo al principio del tema la palabra “jitterbug”, que era un baile popular durante la década de 1930, y la frase “haces que el sol brille más que Doris Day”, aludiendo a una famosa e icónica actriz del cine norteamericana de la década de 1950-1960.

El sonido de chasquidos de dedos inicial que abre la canción, por otra parte, no fue hecho por una máquina, ya que George Michael pasó horas en el estudio grabando sus propios dedos y los de los técnicos hasta que consiguió el “chasquido perfecto” que marcara el ritmo de la canción.

“Sólo quería hacer un disco pop realmente enérgico que tuviera todos los mejores elementos de los discos de los años cincuenta y sesenta, combinados con nuestra actitud y nuestro enfoque, que obviamente es más dinámico y mucho más joven que algunos de esos discos. Es una de esas canciones que elimina muchas de tus influencias personales; me recuerda a tantos discos diferentes que no pude identificarlos”, relató George Michael.

Después de grabar la canción “Wake me up up before you go go” para su álbum “Make it Big”, Wham! lanzó el single a fines de 1984, el cual se popularizo rápidamente gracias a la buena respuesta de la rotación radial y, sobre todo, gracias a su videoclip, donde George Michael y Andrew Ridgeley aparecían usando unos colorinches pantalones cortos y unas icónicas poleras blancas con la leyenda “Choose Life” (“Escoge la vida”), un lema concebido por la diseñadora de moda y activista política Katharine Hamnett, quien había diseñado el mensaje contra el abuso de drogas.

Según George Michael, querían verse en el videoclip como caricaturas llenas de color para contrastar con la Inglaterra gris de la época.

Después de su lanzamiento oficial en 1984, “Wake Me Up Before You Go-Go” se convirtió en un éxito internacional abrumador y transformó a Wham! en un fenómeno pop mundial. La canción alcanzó el número 1 en numerosos países, incluyendo las islas británicas y los Estados Unidos, país donde permanecieron en lo más alto de las listas de éxitos durante tres semanas consecutivas, vendiendo hasta la fecha más de dos millones de copias.

Hoy, esta optimista canción bubblegum-pop es considerada unas de las canciones más emblemáticas de los años 80′.

Video de Wham!: “Wake me up up before you go go” (1984):

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Hall & Oates había grabado el álbum “Private Eyes” en el antiguo estudio de Jimi Hendrix, Electric Lady, y un día de marzo de 1981 habían terminado una sesión cuando Daryl Hall se puso a juguetear con sus teclados y una primitiva caja de ritmos Roland TR-606.

Tras apretar un botón, salió un ritmo que le gustó. Hall le ordenó entonces al ingeniero de sonido poner en marcha la cinta de grabación mientras John Oates agarraba su guitarra para seguir el ritmo. Así surgió “I Can´t Go For That (No can Do)”, canción a la cual Daryl le agregó más tarde la letra definitiva. La canción fue editada como single en diciembre de 1981 y le valió al dúo estadounidense alcanzar otro indiscutible número uno en la listas de éxitos.

Michael Jackson, al final, obsesionado con la base rítmica de esa canción, la incorporó para su canción ‘Billie Jean’. Aunque el ritmo era parecido a la canción de Hall & Oates, el productor Quincy Jones le añadió capas de misterio, haciendo que la línea de bajo sonara más pesada y “oscura”, diferenciándola del sonido más funk y ligero de Hall & Oates.

“Billie Jean”, por cierto, era la canción más personal que Michael había escrito nunca. Su letra se basó en un hecho real, cuando Michael estaba en su residencia de Havenhurst y una chica se coló por encima de la valla, aduciendo que quería conocerlo y bañarse en su piscina. Los guardias de seguridad la atraparon de inmediato y la sacaron de la propiedad.

Más tarde, la chica demandó a Michael por haber sido el supuesto causante de su embarazo de gemelos, una de las acusaciones más disparatadas que recibió el cantante en toda su carrera. Por eso Michael canta en el coro la frase “Billy Jean is not my lover, she’s just a girl who claims that I am a one” (“Billy Jean no es mi amante, ella sólo dice que soy el único”).

Lo más llamativo de esta historia de “préstamo musical” es que Michael no solo se inspiró en la línea de bajo de la canción “I Can’t Go for That (No Can Do)” de Hall & Oates, sino que tuvo la honestidad de decírselo a Daryl Hall durante las sesiones de grabación de “We Are the World”, la canción de ayuda contra el hambre en la que participaron los artistas norteamericanos más importantes de la época.

En medio de la grabación, Michael se acercó a Daryl Hall y le susurró al oído: “Espero que no te importe, pero me robé el ‘groove’ de tu canción para Billie Jean”. Daryl, lejos de enojarse, se echó a reír y le respondió: “¡No te preocupes! Yo también se lo robé a alguien más”.

Daryl Hall confesaría más tarde que “cuando Michael me dijo que se había ‘robado’ nuestro groove, le dije ‘Oh Michael, ¿qué más da? Lo hiciste de manera muy diferente’. No puedo decir que lo hubiese notado, pero él fue bastante insistente. Por supuesto, después me fui y escuché con mucho cuidado “Billie Jean”. Y, por supuesto, era nuestro ritmo”.

Curiosamente, años más tarde, Stevie Wonder llegaría a lo más alto de las listas de éxitos con su canción “Part time lover”, una canción cuya base rítmica se basó en la canción “Maneater” de… Hall & Oates.

Video de Hall & Oates: “I Can’t Go for That (No Can Do)” (1981):

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Video de Michael Jackson: “Billie Jean” (1982):

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Ese es el inolvidable monólogo final del personaje del replicante Roy Batty (Rutger Hauer) en la película “Blade Runner” (1982), un replicante que inesperadamente salva la vida al policía Rick Deckard (Harrison Ford), su perseguidor, momentos antes de que su propia vida se extinga.

La escena final de “Blade Runner” esconde un profundo significado, pues muestra la experiencia acumulada de vida del replicante, convirtiendo a una máquina en un ser con alma y recuerdos, haciendo de la secuencia una lección de vida. La lluvia y la paloma blanca que Roy Batty suelta al morir, por otro lado, simbolizan la separación del espíritu y la pérdida de sus experiencias.

Si bien en muchos foros y sitios de Internet se asegura que todo ese monólogo final fue improvisado o escrito la noche anterior del rodaje por el actor holandés Rutger Hauer, la verdad es que el intérprete lo que sí hizo fue acortar el guión original en varias líneas para hacerlo más poético y directo, añadiendo únicamente la famosa frase “todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia”.

El guión original del monólogo de la escena final de “Blade Runner”, de hecho, antes de la reescritura de Hauer, era: “He visto cosas… cosas que ustedes, gente común, no creerían. Naves de ataque en llamas frente a Orión, brillantes como el magnesio… Viajé en la cubierta trasera de un intermitente y vi rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta Tannhäuser. Todos esos momentos… se habrán ido”.

El propio Rutger Hauer aclaró en una de sus últimas entrevistas -antes de su fallecimiento el año 2019- la verdad detrás del mítico monólogo pronunciado por su personaje Roy Batty en la escena final de “Blade Runner”:

“Yo no escribí las últimas líneas de esa película. Yo fui un instrumento, yo escribí el silencio, más que cualquier otra cosa, porque corté mucho discurso de alta tecnología que figuraba en el guión original. Era como una página entera de discurso operístico de alta tecnología, muy inteligente por cierto, pero yo estuve de acuerdo con Ridley (Scott, el director de la película) en que si las baterías se acaban, se acaban rápido, y no tienes tiempo. Y al final Roy siente el final acercándose, mientras él hace su danza de la muerte o danza de la vida con Deckard, porque es una danza de la vida la que él le muestra, jugando con él y Deckard nunca se da cuenta”.

Hauer añadió que “yo nunca escribí aquellas líneas, sólo corté la mayoría del texto básicamente. Y entonces tomé dos de las líneas del guión que pensé que tendrían magia para aquella escena y encontré otra línea, en la cual pensé que Roy, si hubiera sido posible, podía expresar en pocas palabras cuan enamorado de la vida se había vuelto, apegado a ella, interesado en ella. Encontré esa línea “todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia’, y estoy extremadamente contento que la gente haya respondido a ella tan masivamente, de la misma forma alrededor del mundo. La otra cosa del final de la película es que no sentí que Deckard se redima a sí mismo, creo que es Roy quien se redime a sí mismo, si es que eso es posible, cuando le da a Deckard lo que él más quiere, y sabe que ya no puede tener: la vida. Y él le permite tenerla y duda mucho si Deckard va a ser capaz de entender su regocijo. Roy Batty, al final de su vida, quería dejar huella en la existencia. El replicante, en la escena final, al morir, le muestra a Deckard de qué está hecho un hombre de verdad”.

Video: monólogo final de Roy Batty en “Blade Runner” (1982):

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Cameron, a principios de los años 80′, se encontraba en un hotel de Roma trabajando en el rodaje de un anuncio comercial, cuando repentinamente cayó enfermo después de sufrir fiebres y mareos. En mitad de la noche se despertó y dibujó un boceto que cambiaría su vida para siempre: un Terminator surgiendo de una bola de fuego.

Esta imagen sería el germen de su primera película, cuyo argumento no podía ser más novedoso: Computadoras de defensa de última generación tomaban conciencia de sí mismas y decidían el exterminio de la humanidad. Sin embargo, la resistencia humana lograba vencer a las máquinas. No obstante, la inteligencia artificial intentaba cambiar las cosas enviando a un Terminator, una máquina con apariencia humana, al pasado, para asesinar a la madre del futuro líder humano.

De esa lejana época, las siguientes imágenes son parte del storyboard o guión gráfico que el propio James Cameron dibujó para visualizar la historia de “Terminator”, bocetos que corresponden a la escena en que el cyborg enviado del futuro, después de un tiroteo con la policía y con Kyle Reese, examina su brazo mecánico derecho para reparar una disfunción del movimiento de su mano.

Tras ver las imágenes, muchos fans concluyeron que Cameron no sólo era un gran cineasta, guionista y productor, sino que también un talentoso dibujante.

Gracias a la edición digital de fotografías del cine de esa época, se han realizado varios cruces de películas clásicas de los años 80′, que nos muestran a algunos de estos personajes compartiendo pantalla. Este es el resultado:

1) “Rambo” + “Commando”: John Rambo (Sylvester Stallone) + John Matrix (Arnold Schwarzenegger)

2) “Duro de Matar” + “Arma Mortal”: John McClane (Bruce Willis) + Martin Riggs (Mel Gibson) + Roger Murtaugh (Danny Glover) + Sgt. Al Powell (Reginald VelJohnson)

3) “Conan el Bárbaro” + “Highlander”: Conan (Arnold Schwarzenegger) + Connor MacLeod (Christopher Lambert):

3) “Socios y sabuesos” + “K-9″: Detective Scott Turner (Tom Hanks) + Hooch (Dogo de Burdeos) + Detective Michael Dooley (Jim Belushi) + Jerry Lee (Pastor Alemán)

4) “RoboCop” + “Terminator 2: El Juicio Final”: RoboCop / Alex Murphy (Peter Weller) + Terminator / T-800 (Arnold Schwarzenegger):

5) “RoboCop” + “Terminator 2: El Juicio Final”: RoboCop / Alex Murphy (Peter Weller) + Terminator / T-800 (Arnold Schwarzenegger) + ED-209 + Robert Patrick (T-1000):

La balada fue compuesta por George Michael cuando tenía 17 años y trabajaba como acomodador en un cine, en Watford, Inglaterra. El músico confesó que la escribió “en su cabeza” mientras trabajaba, basándose en una historia de infidelidad adolescente, y que el riff de saxofón lo compuso completo mientras viajaba en un ómnibus de regreso a su casa. Originalmente el riff estaba acompañado por letra, pero Michael decidió sacarla, para mejorar la calidad de la canción.

Sin embargo, antes que “Careless Whisper” fuera grabada y se convirtiera en un hit mundial, la canción le provocó varios dolores de cabeza a George Michael y a todo su equipo de producción.

En 1984, el artista británico tenía apenas 21 años, pero ya era un perfeccionista extremo. Sabía que “Careless Whisper” dependía totalmente de esa melodía inicial de saxofón. La grabación comenzó en los famosos estudios Muscle Shoals en Alabama, con músicos de élite y llegaron a pasar 10 prestigiosos saxofonistas profesionales para tocar el riff de la canción, pero George Michael no quedó satisfecho con el resultado. Les pedía que tocaran el riff una y otra vez, pero siempre decía: “No, no es eso. Suena a un músico de sesión tocando el saxo, yo quiero que suene a alguien gritando de dolor”.

El saxofonista número 11 que pasó por el estudio de grabación sería Steve Gregory, quien fue obligado por George Michael a grabar la misma línea de ocho compases durante horas.

El principal problema que presentaba el riff del saxo de “Careless Whisper” es que requería el fa sostenido sobre agudo en el saxofón tenor, una nota no disponible en los saxofones antiguos de la época. La solución, entonces, para lograr un timbre de “llanto”, fue que Gregory tocara el riff con medio tono más bajo, para posteriormente, ya grabado, subirlo medio tono en el estudio de grabación. De ese modo, el sólo de saxofón de la canción terminó sonando un semitono más alto y con una textura que ningún humano podía lograr de forma natural.

En la actualidad, el saxofón tenor moderno ya cuenta con ese recurso extra para lograr esa nota faltante, lo que significa que en la época actual no hubiera existido ese inconveniente.

Video de George Michael: “Careless Whisper” (1984):

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