El deportista de aguas abiertas falleció a los 73 años y en su casa ubicada en la ciudad de Quilpué.

Respecto a las causas de su deceso, estas no han sido especificadas hasta el momento, pero lo cierto es que el “Tiburón” Contreras padecía desde hace tiempo problemas por su avanzada diabetes y también tenía insuficiencias renales.

“El día de hoy fallece un gran deportista. Está de luto la familia de nadadores (…) Grande Víctor Tiburón Contreras, mi padre. Que Dios lo guarde. Te Quiero Viejo”, fueron las palabras con que el hijo del deportista chileno despidió a su progenitor.

Entre los pergaminos de Víctor “Tiburón” Contreras, están el haber cruzado el estrecho de Gibraltar, en 1981.

También, el oriundo de la quinta Región nadó en el canal Beagle, el cabo de Hornos y el canal de Chacao.

Finalmente, el legado del “Tiburón” Contreras también queda en una serie de deportistas quienes pasaron por la escuela de natación que el hoy fallecido nadador tuvo en Valparaíso.

Y como toda década que remezca a sus protagonistas, los 80′ tuvieron su propia banda sonora, puesta en escena por los que en aquellos años eran nuestros cantantes favoritos. De hecho, casi 40 años después de iniciada esa época, basta que algunas de sus canciones suene en alguna parte para que las memorias cobren vida. “¿Te acuerdas de esa vez en que…?” “¡Cómo olvidarlo!”

Y así como para nosotros pasó el tiempo, para esos artistas ochenteros también. Algunos tuvieron dilatadas carreras que mantienen hasta hoy, rodando por el mundo, dando conciertos y trayendo de vuelta esos momentos inolvidables. Otros, menos afortunados, tuvieron una fama más breve, aunque su recuerdo siga vigente.

¿Cómo se ven hoy nuestros cantantes favoritos de los 80′? Estas 20 imágenes, compilación de Express.co.uk, nos muestran cuánto han cambiado:

Sheena Easton.

Rick Astley.

Boy George.

Gloria Stefan.

Grace Jones.

Cyndi Lauper.

Susanna Hohhs, la estrella de The Bangles.

Jon Bon Jovi.

Simon Le Bon, el vocalista de Duran Duran.

Phil Collins.

Adam Ant.

Madonna.

Lionel Richie.

Kylie Minogue.

Sting.

Bonnie Tyler.

Annie Lennox.

Philip Oakey, la estrella de The Human League.

Belinda Carlisle.

Martin Kemp.

La cinta, escrita por John Hughes durante un fin de semana, mostraba a cinco estudiantes -tres chicos y dos chicas- de una escuela secundaria de Illinois que eran castigados por diversas faltas a pasar un sábado en el colegio, específicamente en la Biblioteca del establecimiento. Supervisados por el subdirector Richard Vernon (Paul Gleason), los jóvenes debían permanecer allí por un período de ocho horas, mientras escribían un ensayo no menor de 1.000 palabras en el que cada estudiante debía relatar sobre lo que él o ella creía que eran.

Los cinco estudiantes no podían ser más diferentes uno del otro. John Bender (Judd Nelson) era un buscapleitos proveniente de un hogar pobre que había sido castigado por activar la alarma de incendios del colegio; Claire Standish (Molly Ringwald) era una niña rica y consentida que había sido castigada por faltar a clases para ir de compras; Brian Johnson (Anthony Michael Hall), en tanto, era el estudiante dedicado y responsable que había sido sancionado por meter una pistola de bengala en su casillero, la cual había estallado accidentalmente; Andrew Clark (Emilio Estévez) era el deportista perteneciente al club de lucha de la escuela, castigado por envolver los testículos de un compañero con cinta adhesiva, mientras que Allison Reynolds (Ally Sheedy) era una desadaptada joven que había acudido a la jornada de castigo por propia voluntad.

Los cinco estudiantes, que al principio no simpatizaban entre sí, pues representan aparentemente estereotipos totalmente diferentes uno del otro, a medida que pasaba la película comenzaban a entrar en confianza (recordada es la escena en que todos, a instancias de Bender, fuman marihuana, algunos de ellos por primera vez) y a develar sus secretos más íntimos, empezando por los motivos de sus propios castigos.

Por ejemplo, Allison era una mentirosa compulsiva, Bender provenía de un hogar desestructurado, donde era víctima de maltrato por parte de su padre; Andrew odiaba a su progenitor, el cual quería hacer de él el típico deportista y triunfador popular sin reparar en los medios necesarios para conseguir aquello, Claire se avergonzaba de su virginidad y el estudioso Brian se sentía muy presionado académicamente, debido a las altas expectativas de sus padres. De esta manera, todos descubrían que tenían relaciones problemáticas con los adultos, mientras se preguntaban si una vez acabado el castigo, los vínculos que habían creado durante la jornada podían trascender más allá de ese día sábado y esa biblioteca.

Finalmente, el grupo, en vez de escribir los cinco ensayos pedidos por el vicedirector, decidían entregar una única redacción, escrita por Brian y firmada por el “Club del desayuno” o “The breakfast club”, donde afirmaban que ellos era más que cinco estereotipos.

La cinta, que incluía en su banda sonora la famosa canción “Don’t you (forget about me)”, del grupo escocés Simple Minds, que se transformaría en número 1 en las listas de popularidad de América y Europa durante varias semanas, volvería a ser estrenada en el año 2015 en los cines de Estados Unidos con motivo de su 30 aniversario, en una versión remasterizada.

A más de 3 décadas del estreno de esta película, que ha sido mencionada y homenajeada en numerosas cintas y series de televisión (el póster oficial de la película es uno de los más conocidos de la década de los 80′), así luce hoy su elenco:

1) Judd Nelson (John Bender):

2) Molly Ringwald (Claire Standish):

3) Anthony Michael Hall (Brian Johnson):

4) Emilio Estévez (Andrew Clark):

5) Ally Sheedy (Allison Reynolds):

6) Paul Gleason (Richard Vernon):

Canción principal de la película “El Club de los 5″: “Don´t you (forget about me)” de Simple Minds:

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En “Negocios riesgosos”, Cruise, que por entonces contaba con sólo 20 años, interpretó a Joel Goodson, un responsable joven de buena familia de Chicago que soñaba con entrar a la universidad a estudiar Negocios y Emprendimientos y que, tras quedarse sólo durante un fin de semana por un viaje de sus padres, contrataba los servicios de Lana (Rebecca de Mornay), una astuta, joven y bella prostituta con la que terminaba montando en su hogar un prostíbulo, con las amigas de Lana como cortesanas y los amigos de Joel como clientes, mientras intentaban sortear la ira de Guido, el peligroso proxeneta de la chica.

Rebecca de Mornay y Tom Cruise en “Negocios Riesgosos” (1983).

La cinta, dirigida por el director Paul Brickman y que contaba con la banda de sonido del grupo de rock progresivo Tangerine Dream, fue bien recibida por la crítica y el público, y le valió a Tom Cruise una nominación a un Globo de oro como mejor actor de comedia. La película todavía es recordada por varias secuencias, como la escena en que Joel saca sin permiso el carísimo auto deportivo de su padre para salir con Lana, pero por un descuido de la chica el auto termina precipitándose en las aguas del lago Michigan; o la escena de la “fiesta” final en la casa de Joel cuando él y Lana echan a andar el negocio del sexo pagado, mientras llega un funcionario de una prestigiosa universidad a entrevistarlo. O la recordada escena en que Joel, tras dejar a sus padres en el aeropuerto y quedarse solo, baila en calzoncillos en el salón de su casa al son de la canción “Old time rock and roll”, de Bob Seger, escena que sería parodiada en otras cintas y en la famosa serie animada “Los Simpsons”.

El actor Curtis Armstrong, que en “Negocios Riesgosos” interpretó a Miles Dalby, el amigo de Joel que le repetía la frase “What a fuck!” para que éste se liberara y finalmente lo convencía de llamar a una prostituta a su casa, y que también trabajaría en películas como “La revancha de los Nerds” (1984) y en la serie “Luz de luna” (junto a Bruce Willis y Cybell Schepherd), lanzó hace un tiempo un revelador libro de memorias titulado ‘Revenge of the Nerd’, donde desclasificó una divertida anécdota durante el rodaje de esta comedia de 1983, donde le tocó compartir set con ese extraño joven llamado Tom Cruise.

Curtis Armstrong y Tom Cruise en un fotograma de la película “Negocios Riesgosos” (1983).

“Al inicio de su carrera Tom Cruise era un chico tontorrón, algo torpe e inseguro que seguía interpretando papeles que cualquier jovencito podría interpretar. Recuerdo que durante las semanas de rodaje, Tom me llamaba siempre por el nombre de mi personaje. En ese momento, pensé que quizás eso era parte de su proceso de interpretación. O simplemente significaba que no sabía mi nombre ”, relató Curtis Armstrong.

Armstrong añadió que “el éxito sin precedentes de Cruise fue una sorpresa para mí, pero los perpetuos rumores sobre su orientación sexual (cuando se decía que Tom era gay) fueron completamente desconcertantes, ya que durante el año de rodaje, Tom y Rebecca de Mornay mantuvieron una relación que no pudieron ocultar al equipo”, contó Armstrong, quien añadió que por entonces Rebecca salía con el también actor Harry Dean Stanton. De ese modo, cuando éste se aparecía por el set, Tom se apartaba caballerosamente para no causar problemas.

Rebecca de Mornay y Tom Cruise en 1983.

En este punto, Curtis Armstrong desclasificó una divertida anécdota sobre Tom Cruise, un actor que lo impresionó porque, según el mismo Armstrong, nunca había conocido a nadie tan ambicioso y disciplinado como la joven estrella. “Le pregunté al final del día a Tom si quería venirse con el equipo al bar a tomar una copa. “No”, me respondió. ‘Tengo que madrugar mañana, aún tengo que trabajar, estudiar mis frases y luego me gusta leer un poco la Biblia antes de acostarme’”.

Pensando que Cruise era un actor tremendamente profesional y religioso, Armstrong lo dejó en su habitación, pero luego vendría la gran vuelta de tuerca. “Volviendo tarde una noche, encontré a tres o cuatro muchachas jóvenes, sospecho que casi de veinte años, en la entrada del cuarto de Tom. Recuerdo haber pensado: ‘Tom va a estar realmente molesto si estas chicas con ganas de fiesta interfieren con su lectura de la Biblia’. Así que les pregunté, con toda la severidad que me ofrecían mis 28 años, si había algo que yo pudiera hacer para ayudarles. Me miraron y, en ese momento, la puerta de Tom se abrió y otra chica salió peinándose y bajó por el pasillo mientras la primera en la cola se metía en la habitación de Tom”.

Armstrong concluyó, divertido, que después de presenciar aquella escena, concluyó que Tom Cruise “era un joven que sabía mucho sobre cómo manejar su tiempo. Supo cómo mezclar correctamente el estudio de la Biblia y el que le practicaran sexo oral un grupo de bellas y jóvenes muchachas. Recuerdo que me fui a la cama solo esa noche pensando que me lo tenía bien merecido por no ser religioso”.

Trailer película “Negocios Riesgosos” (“Risky Business”, 1983):

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Escena película “Negocios Riesgosos”: Cita equivocada:

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Escena de “Negocios Riesgosos”: Tom Cruise bailando al son de la canción “Old time rock and roll”, de Bob Seger:

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Gracias a este disco, cuyo nombre aludía al castillo francés Manor de Valotte, donde se compusieron las canciones para el álbum en 1983, Julian obtuvo una nominación a un premio Grammy como “Mejor Nuevo Artista”, llamando la atención de la prensa por el gran parecido que guardaba con su célebre progenitor, tanto en apariencia física como en su voz. La relación entre ambos, sin embargo, no había sido la mejor.

John y Julian Lennon.

Julian Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, el 8 de abril de 1963, como fruto del matrimonio entre John Lennon y Cynthia Powell, quienes se habían conocido en una escuela de arte en 1957 y, después de algunos años de noviazgo, se casaron el 23 de agosto de 1962 durante los primeros años de fama de The Beatles, en una ceremonia a la que asistieron los otros tres componentes de los Fab Four, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

Cynthia Powell, como esposa de John, fue testigo privilegiado del imparable ascenso de la banda de Liverpool hasta 1968, cuando se divorció de Lennon, que por entonces ya había conocido a la artista japonesa avant garde Yoko Ono, con quien formaría una nueva pareja y con quien tendría otro hijo, Sean Lennon, nacido en octubre de 1975 en Nueva York.

Durante los primeros años de éxito de The Beatles, a principios de los años 60′, Brian Epstein, representante del grupo y padrino de Julian, sugirió a John Lennon ocultar su matrimonio y paternidad por un tiempo para no afectar la popularidad de la banda. La estrategia dio resultado, al punto que gran parte de los fans de The Beatles desconocían que John estaba casado y tenía un hijo. Después que Lennon conociera a Yoko, y tras un convulso proceso judicial de divorcio, el matrimonio llegó a un acuerdo por el cual el músico se comprometió a pagar 100 mil libras de la época a Cynthia Powell, cediéndole además la custodia de Julian.

Julian Lennon vivió así alejado de los medios y de la publicidad de la beatlemanía, aunque también significó que pasara gran parte de su infancia con un padre ausente, por lo que, ya en su juventud, solía mostrarse frío y desdeñoso al hablar de su padre John, mientras sentía una natural enemistad hacia Yoko Ono. “A mi padre le gustaba hablar de paz y amor al mundo, pero nunca los mostró hacia las personas más cercanas a él”, declaró en una oportunidad, con algo de amargura.

Sin embargo, con el paso del tiempo, Julian se reconciliaría con la imagen de su difunto padre y con la misma Yoko Ono, gracias a la intervención de amigos como Paul McCartney, quien, en los tiempos de The Beatles, compuso la canción “Hey Jude” para dedicársela al mismo Julian y consolarlo por el divorcio de sus padres (la canción se llamaba originalmente “Hey Jules”, pero McCartney cambió el título a “Hey Jude” porque el nombre de Jude era más fácil de cantar). “Tenía 5 años cuando Paul escribió esa canción y no me enteré que yo era el protagonista de la letra hasta cuando tenía 15 años y sólo porque me lo dijo mi madre. Paul me ayudó a entender que yo no era el único que estaba fuera de lugar. Mi papá también había sufrido pérdidas. Jamás conoció a su padre y perdió a su madre dos veces, a los 5 años cuando le dejó, y a los 17, cuando murió en un accidente de tráfico”, relató Julian.

Paul McCartney y Julian Lennon, quien lo inspiró para escribir la canción “Hey Jude”.

Julian Lennon agregó que “ya adulto llegué a la conclusión de que la rabia y el odio eran una gran pérdida de tiempo. Si mi padre estuviera vivo y en este mismo momento entrara por la puerta, creo que nos abrazaríamos y lloraríamos juntos. Ahora todo el antiguo rencor de antaño se ha reconvertido en energía positiva. Tengo una relación correcta con Yoko y una relación mucho mejor con mi medio hermano Sean, con quien sentimos un respeto y un afecto mutuo”.

Julian Lennon junto a su madre Cynthia, Yoko Ono y su medio hermano Sean.

La madre de Julian, Cynthia Powell, quien fallecería el año 2015 de un cáncer, en una entrevista concedida el año 2009 con ocasión de una exposición en Liverpool con sus fotografías y correspondencia, afirmó a la BBC que ni ella ni su hijo guardaban “acritud contra nadie”. “¿Cómo era la personalidad de John? No era alguien con quien quisieras enfrentarte, por decirlo de ese modo. Le amabas o le odiabas, y sigue siendo así ahora, aunque no esté aquí. Nunca denigraría a ninguno (de los Beatles), de verdad, porque creo que su talento era sencillamente mágico. Durará para siempre”, dijo en aquella ocasión la madre de Julian.

Cynthia Powell y John Lennon, fotografiados en los años 60′.

Después del impacto mediático del disco “Valotte”, la carrera de Julian Lennon entraría en una espiral de altibajos y él mismo pasó por varias etapas erráticas en su vida, con abuso de alcohol y drogas de por medio.

Actualmente Julian sigue ligado a la música mientras preside la fundación The White Feather, una entidad con la que lleva a cabo proyectos culturales en distintas partes del mundo, desde África a Sri Lanka, y a través de la cual ha comprado en subastas toda clase de objetos relacionados con John Lennon, acumulando una preciosa colección de memorabilia avaluada en más de 4 millones de dólares y entre las que se incluyen objetos tan raros como el manuscrito original de la canción “Hey Jude”, el tema que Paul McCartney escribió para intentar consolar a Julian cuando su padre se marchó con Yoko Ono.

Julian Lennon en la actualidad.

“Comencé esta colección no por si yo tenía familia o hijos en un futuro, sino por sentirme en contacto con mi padre. La idea de esta colección, que no sólo hemos presentado en Liverpool sino que en otras partes del mundo , es compartir un pedazo de historia de John Lennon porque creo que la gente realmente no lo conoce tanto”, explicó Julian, de actuales 55 años, el mismo músico que debutó musicalmente a la temprana edad de 10 años, tocando la batería en la canción “Ya-Ya” del álbum “Walls and bridges” de John Lennon, y quien inspiraría –además de “Hey, Jude”- otras famosas composiciones musicales de The Beatles, como la conocida canción “Lucy in the sky with diamonds”, que John Lennon compuso a partir de un dibujo infantil que el mismo Julian había hecho.

Video de Julian Lennon: “Valotte”:

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Video de Julian Lennon: “Too late for goobyes”:

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Video de The Beatles: “Hey Jude”, la canción que Paul McCartney escribió para Julian Lennon:

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El cine de la década del 80’ también nos legó muchas algunas frases inmortales. A continuación, y luego de la primera entrega, publicamos ahora la segunda parte de las 20 frases del cine más recordadas de aquella época:

11) “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana”

Original: “A long time ago in a galaxy far, far away”

Películas: “El imperio Contraataca” (1980); “El regreso del Jedi” (1983)

El 25 de mayo de 1977 estas palabras de apertura, de la película “La Guerra de las galaxias”, aparecieron por primera vez en las pantallas de 40 cines de Estados Unidos, dando inicio a lo que sería uno de los éxitos cinematográficos más importantes de la industria.

La frase aparecería a continuación en las dos siguientes películas de la saga, “El Imperio Contraataca” (1980) y “El regreso del Jedi” (1983), convirtiéndose en uno de los elementos más reconocibles de la franquicia. Desde entonces, ha aparecido en la apertura de todas las películas de acción en vivo de Star Wars producidas por Lucas Film (a excepción de “Rogue One”), antes que aparezca el logotipo de Star Wars y el texto de rastreo que describe la historia de fondo y el contexto de la película, acompañado, por supuesto, por la famosa música compuesta por John Williams.

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12) “Parece que elegí un mal día para dejar de inhalar pegamento”

Película: ¿Dónde está el piloto? (1980)

Original: “Looks like I picked the wrong week to quit sniffing glue”

¿Quién la pronunció? El sensato y vicioso Steve McCroskey (Lloyd Bridges), supervisor de la torre de control, quien, repartiendo órdenes a diestra y siniestra para lograr que el avión Trans América 209 aterrice sin problemas (ya que la tripulación y parte de los pasajeros han caído víctimas de una intoxicación alimenticia), comienza a recaer en sus poco saludables hábitos. Al principio de la película, cuando recién se desata la emergencia, McCroskey saca un cigarrillo y confiesa que “parece que elegí un mal momento para dejar de fumar”, pero a medida que la situación va empeorando, comienza a beber y tomar pastillas, diciendo “parece que elegí una mala semana para dejar de beber alcohol” y “parece que elegí una mala semana para dejar las anfetaminas”. Al final, luego de inhalar pegamento, totalmente alucinado y con los cabellos erizados, y creyendo que el avión se va a estrellar contra la torre de control, se arroja desde la misma.

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13) “Ok. ¿Quieren jugar rudo? Díganle Hola a mi pequeño amigo”.

Película:“Scarface: Cara cortada” (1982)

Frase en versión original: “ Okay. You wanna play rough? Okay. Say hello to my little friend!”

¿Quién la pronunció?: El peligroso narcotraficante cubano Tony Montana (Al Pacino), encerrado en su oficina de su mansión de Miami y preparando su enorme mortal fusil de asalto con lanzagranadas, para enfrentar a los sicarios enviados por el zar de la cocaína Alejandro Sosa (Paul Shenar) para matarlo.

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14) “Poner cera, sacar cera”

Película: “The Karate Kid” (1984)

Frase en versión original: “Wax on, wax off”

¿Quién la pronunció?: el señor Kesuke Miyagi (Pat Morita) para instruir al joven Daniel La Russo (Ralph Macchio), cómo tenía que limpiar con cera la carrocería de su auto, sin que el mismo Daniel supiera que esos mismos movimientos con sus manos le iban a servir para poner en efecto los movimientos más básicos del karate.

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15) “¿Ronald Reagan es el Presidente de los EE. UU. en 1985? ¿el actor? ¿Y quién es el Vicepresidente? ¿Jerry Lewis?

Película: “Volver al futuro” (1985)

Frase en versión original: Ronald Reagan? The actor?! Then who’s vice-president? Jerry Lewis?”

¿Quién la pronunció”: El doctor Emmet Brown (Christopher Lloyd), tras preguntarle en 1955 a Marty Mc Fly (Michael J. Fox), un joven al que veía por primera vez y que aseguraba que venía desde el futuro, quién era el presidente de Estados Unidos en 1985. Cuando Marty le dice que el mandatario en esa época era Ronald Reagan (quien antes de ser político había sido un conocido actor en su juventud), el doctor piensa que le están tomando el pelo, por lo que le lanza la broma de que entonces el vicepresidente del país tenía que ser el famoso actor cómico Jerry Lewis.

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16) “No crucen los rayos”

Película: “Ghostbusters” (1984)

Original: “Don’t cross the streams”

¿Quién la pronunció? El doctor Egon Spengler (Harold Ramis) a sus colegas Peter Venkman (Bill Murray) y Ray Stanz (Dan Aykroyd), antes de atrapar a un travieso fantasma, advirtiéndoles que no convenía cruzar los rayos de sus aparatos para atrapar entidades ectoplásmáticas porque sería “malo”. Cuando el doctor Venkman le pregunta qué entiende por “malo”, Egon le responde: “Trata de imaginar toda tu vida deteniéndose instantáneamente y cada molécula de tu cuerpo explotando. ¡Inversión protónica total! Eso es malo”.

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17) “Vamos a joder. Voy a joderme todo lo que se mueva”

Película: “Terciopelo azul” (1986)

Original: “Let’s fuck! I’ll fuck anything that moves!”

¿Quién la pronunció? El retorcido y psicopático criminal Frank Booth (Dennis Hooper), tras visitar con su banda y el joven Jeffrey Beamont (Kyle McLachlan) el lugar donde tenía secuestrado al hijo de Dorothy Vallens (Isabella Rosellini), una bella mujer con la que practicaba juegos sadomasoquistas.

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18) “Uno, dos, Freddy viene por ti / Tres, cuatro, mejor ponle llave a tu cuarto / Cinco, seis, agarra tu crucifijo / Siete, ocho, mantente despierto / Nueve, diez, nunca dormirás otra vez”

Película: “Nightmare on Elm Street” (1984)

Original: “One, two, Freddy’s coming for you / Three, four, better lock your door / Five, six, grab your crucifix / Seven, eight, gonna stay up late / Nine, ten, never sleep again”

¿Quién la pronunció? Un grupo de niñas que, en medio de un sueño, se ponían a jugar saltando una cuerda y cantaban esta canción, que anticipaba la irrupción del temido Freddy Krueger, el demonio del sueño, con su viejo sombrero, su sweater de rayas negras y rojas, su rostro espantosamente quemado y su enorme garra metálica.

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19) “Yippi ka yei, mother fucker”

Película: “Duro de matar” (1988)

¿Quién la pronunció? El osado y mordaz policía John Mc Clane (Bruce Willis), respondiéndole al terrorista Hans Gruber (Alan Rickman), el jefe de la banda de terroristas que acababan de tomarse el edificio Nakatomi Plaza, luego que éste se burlara de él y le dijera “¿Quién eres? ¿Sólo otro estadounidense que vio demasiadas películas de vaqueros cuando era niño?”. Mc Clane, tras notificarle a Gruber que, en efecto, él era fan del actor Roy Rogers, un famoso actor de películas de cowboys en la época del cine en blanco y negro, le contesta con la frase “Yippi ka yei”, una expresión antigua utilizada por algunos vaqueros en las películas de los años 30’ y 40’, como Hopalong Cassidy y el mismo Roy Rogers.

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20) “Carpe diem. Aprovechen el día muchachos, hagan de sus vidas algo extraordinario”

Película: “La sociedad de los poetas muertos” (1989)

Original: “Carpe Diem. Seize the day boys, make your lives extraordinary”

¿Quién la pronunció?: El profesor de literatura John Keating (Robin Williams) a un grupo de alumnos de la Welton Academy, enseñándoles la importancia de la frase “Carpe Diem”, es decir, la expresión del latín para decir “aprovecha el día”, aludiendo a la necesidad de vivir cada instante como si fuese el último.

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En la década del 80’, la década donde se institucionalizaron los blockbusters y las películas jalonadas por sorprendentes efectos especiales, el cine de esa época también nos dejó algunas frases inmortales. A continuación les entregamos la primera parte de las 20 frases del cine más recordadas de aquella década:

1) “Yo soy tu padre”

Original: “I’m your father”:

Película: “El imperio contraataca” (1980)

¿Quién la pronunció?: Darth Vader (David Prowse, con la voz del actor James Earl Jones), el Lord Sith de la Máscara negra, tras mutilar al joven Luke Skywalker después de una pelea con sables de luz en la Ciudad de las Nubes. Vader, de ese modo, le revelaba a Luke una sorprendente verdad: su padre no había muerto asesinado como le había contado Obi Wan Kenobi (“Tu padre, Anakin Skywalker, fue traicionado y muerto por un joven Jedi llamado Darth Vader”, le dijo Kenobi) si no que él mismo era su progenitor. La frase sería elegida por el sitio Lovefilm como la frase más memorable de la historia del cine, y a menudo es citada como arquetipo de los giros argumentales inesperados.

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2) “Aquí está Johnny”

Frase en versión original: “Here is Johnny”:

Película: “El resplandor” (1980)

¿Quién la pronunció?: El escritor Jack Torrance (Jack Nicholson), después de romper a hachazos la puerta del baño donde se escondían su asustada mujer y su pequeño hijo. Torrance, en las semanas previas, influenciado por los espíritus malévolos que rondaban en un lujoso Hotel de Alta montaña, donde él había sido contratado como cuidador, había comenzado a enloquecer progresivamente, pues el edificio había sido construido sobre un antiguo cementerio de nativos americanos y en una de sus habitaciones había ocurrido un espantoso homicidio de dos pequeñas hermanas gemelas.

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3) “E.T. llama a casa”

Frase en versión original: “E.T. phone home”.

Película: “E.T. el extraterrestre” (1982)

¿Quién la pronunció?: E.T. a Elliott (Henry Thomas) y a la hermana menor de éste, Gertie, en uno de los momentos más emotivos de la película de Spielberg, cuando el alienígena aprende a hablar y les da a entender a los niños que quiere comunicarse con los habitantes de su lejano planeta para que vengan a buscarlo.

4) “Ya están aquí…”

Película: “Poltergeist, Juegos diabólicos” (1982)

Frase en versión original: “They´re here”

¿Quién la pronunció?: La pequeña niña Carol Ann Freeling (Heather O’Rourke), sentada frente a un televisor encendido donde solo se veían rayas, alertando a su familia que la casa que habitaban estaba repleta de ominosas entidades fantasmagóricas.

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5) “Volveré”

Película: “Terminator” (1984)

Frase en Versión Original: “I’ll be back”.

¿Quién la pronunció?: El Terminator llegado del futuro (Arnold Schwarzenegger), después que en la comisaría donde se encuentra Sarah Connor un agente de policía le niega la entrada, diciéndole que ella está prestando declaración y que puede esperarla sentado si así lo desea. El letal ciborg, tras escuchar al funcionario y echar un vistazo al lugar, vuelve conduciendo un coche de policía, destrozando las puertas, matando al policía y desatando posteriormente una verdadera masacre en el edificio.

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6) “Estoy demasiado viejo para esta mierda”

Película: “Arma mortal” (1987); “Arma Mortal 2” (1989).

Frase en versión original: “Im too old for this shit”.

¿Quién la pronunció?: El veterano sargento de policía Roger Murtaugh (Danny Glover), tras conocer en un divertido incidente al que iba a ser su nuevo compañero, el trastornado y osado policía Martin Riggs (Mel Gibson); a partir de ahí, Murtaugh pronuncia la frase cada vez que se mete en aprietos por culpa de su compañero o cuando debía emprender una acción arriesgada en nombre del deber.

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7) “Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia”

Película: “Blade Runner” (1982)

Frase en versión original: “All those moments lost in time, like tears in the rain”

¿Quién la pronunció?: El replicante Nexus 6 Roy Batty (Rutger Hauer), relatándole a Deckard (Harrison Ford) todas las cosas fascinantes y maravillosas que ha visto en su vida en el universo (“Naves de ataque en llamas más allá del hombro de Orión y Rayos C brillar en la oscuridad, cerca de la Puerta de Tannhäuser”), y que ahora se perderán para siempre, “como lágrimas en la lluvia”, porque él mismo está a punto de morir.

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8) “Sírvame lo mismo que está comiendo ella”.

Película: “Cuando Harry conoció a Sally” (1989)

Frase en Versión Original: “I’ll have what she’s having”.

¿Quién la pronunció?: La señora (Estelle Rainer) de la mesa de al lado de Harry (Billy Crystal) y Sally (Meg Ryan), en el restaurante “Katz’s Delicatessen” de Manhattan, cuando el mozo, después que Sally finge un estrepitoso orgasmo sin preocuparse por las miradas del público del local, le pregunta qué se va a servir.

Cuando Estelle Reiner, madre del director de esta película, Bob Reiner, murió a los 94 años en 2008, el periódico The New York Times se refirió a ella como la mujer «que dio a luz una de las líneas más graciosas y memorables en la historia del cine».

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9) “Sólo puede haber uno”

Película: “Highlander” (1986)

Frase en versión original: “There can be only one”

¿Quién la pronunció?: El escocés Connor MacLeod (Christopher Lambert), uno de los inmortales, humanos que sólo pueden morir mediante la decapitación y que han existido a lo largo de los tiempos. El destino de estos inmortales es combatir entre ellos en duelos para alcanzar el Premio, que obtendrá el único vencedor del duelo final (por eso “sólo puede haber uno”), premio que consiste en un poder y sabiduría que permitiría al ganador guiar al mundo a una nueva era, ya sea de paz u oscuridad dependiendo de la naturaleza del vencedor.

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10) “La codicia, a falta de una palabra mejor, es buena “

Película: “Wall Street” (1987)

Frase en versión original: “”Greed, for lack of a better word, is good.”

¿Quién la pronunció?: el inescrupuloso empresario Gordon Gekko (Michael Douglas) en una junta de accionistas, explicando su particular y cínico credo en el mundo de los negocios: “La codicia es necesaria y funciona. Clarifica y capta la esencia del espíritu de evolución. La codicia en todas sus formas: la codicia de vivir, de saber, de amor, de dinero; es lo que ha marcado la vida de la humanidad.”

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En la siguiente nota, les entregaremos la segunda parte de las 20 frases más famosas del cine de los años 80′.

El mítico John Holmes, el “Elvis Presley del cine porno”.

Nacido como John Curtis Estes el 8 de agosto de 1944, en Ohio, Estados Unidos, después que su padre, un obrero de ferrocarriles, lo abandonara a él y a su madre (una devota bautista sureña), cuando sólo tenía 3 años, John adoptó el apellido de su padrastro, un alcohólico crónico que solía maltratarlo con frecuencia. Después de algunos años y conseguir el consentimiento de su madre, John Holmes se alistó en el Ejército de Estados Unidos y pasó tres años en Berlín, Alemania, en el Signal Corps (cuerpo especialista y encargado de las comunicaciones). Una vez dado de baja del ejército, Holmes se mudó a Los Ángeles, donde ejerció toda clase de empleos episódicos, como vendedor de artículos de uso doméstico puerta a puerta o como conductor de una ambulancia. Cuando ejercía este último empleo, conoció a la enfermera Sharon Gebenini, con la que se casó en agosto de 1965.

En los siguientes dos años, Holmes y su esposa vivieron tranquilamente, mientras Holmes trabajaba como conductor de grúas horquillas en una empresa envasadora de carne en California. Sin embargo, los constantes cambios de temperatura al manejar la grúa, saliendo y entrando de los grandes contenedores refrigerados para luego inhalar el aire caliente del desierto, le ocasionaron daños a a su pulmón derecho en tres ocasiones. Mientras se recuperaba de su enfermedad, Holmes comenzó a frecuentar un club de naipes para varones en Gardena, donde una noche, un fotógrafo lo alentó a incursionar en la pornografía.

De ese modo, a finales de los años 60’ Holmes comenzó a hacer apariciones en revistas y ocasionalmente en vídeos en formato 8 mm, usando los nombres de “Fred”, “Dave”, “Rudy”, y “Stan”, manteniendo su trabajo en secreto frente a su esposa, pues por esa época las producciones pornográficas se mantenían en la semiclandestinidad. Holmes comenzó trabajando con Ambassador Films, una productora semiclandestina que compiló una serie de cortos, hizo una especie de antología y proyectó al novel actor al estrellato. Su primer éxito fue un porno-western donde interpretó a Río, un pendenciero vaquero que, mientras robaba bancos y ayudaba a los pobres, conquistaba a cuanta “vaquerita” encontraba en el desierto.

John Holmes parado en la entrada de un cine para adultos de Los Ángeles, en los años 70′.

Después del éxito de cintas como “Garganta Profunda” (1972) y “The devil in Miss Jones” (1973), el cine porno ganó cierta popularidad a pesar de que su legalidad aún era discutida. Holmes fue arrestado en esos años por cargos de proxenetismo, pero evitó ir a prisión actuando como informante para la policía de Los Ángeles.

En 1973, tras la legalización del cine porno, la carrera de John Holmes se enrieló definitivamente con una serie porno que mostraba las “aventuras” criminales y sexuales de un investigador privado llamado Johnny Wadd, un émulo del detective de ficción Sam Spade, que aparte de resolver algunos casos criminales le hacía el amor a todo lo que tuviera faldas. Wadd se transformó en una suerte de alter ego de Holmes, quien se dejó crecer el pelo, exhibía un frondoso bigotazo, usaba llamativas camisas de solapas anchas, pantalones pata de elefante y lucía anillos de oro y diamantes.

En 1978 Holmes ya ganaba 3.000 dólares por día mientras su reputación como actor porno crecía como la espuma. Tan celebrada era la reputación de Holmes que incluso fue utilizado como una estrategia de marketing en películas en las que ni siquiera aparecía.

El exceso de dinero facilitó que Holmes cayera en el consumo desaforado de cocaína, al punto que empezó a afectar su capacidad como actor porno. Para costear su hábito de drogas, Holmes se aventuró en el crimen, vendiendo drogas a pandillas, prostituyéndose a hombres y mujeres, cometiendo fraude con tarjetas de crédito y hurto y robando autos, maletas en los aeropuertos y en las casas que se alquilaban para los filmes. Se volvió un rufián que robaba todo lo que estuviera a mano mientras le escamoteaba dinero a amigos y amantes. Una vez, usó la tarjeta de su esposa para comprar electrodomésticos por $30 mil dólares, que más tarde revendió para tener dinero en efectivo y comprar una dosis de droga. Por esa época Holmes dejó a su esposa Sharon y se juntó con una concubina de quince años que se prostituía para pagarle el vicio.

John Holmes detenido por la policía a principios de los años 80′.

Para saldar una deuda que tenía con una peligrosa pandilla llamada “la Banda de Wonderland”, Holmes les propuso asaltar la casa de Eddie Nash, un palestino que regentaba un imperio inmobiliario, clubes de striptease y locales gay y que en sus ratos libres traficaba drogas y filmaba porno. Holmes y los suyos robaron cerca de $100 mil dólares en efectivo y joyas, pero Nash localizó más tarde a Holmes, y lo presionó para que delatara a sus compinches. El 1 de julio de 1981, varios matones acompañaron al mismo John Holmes hasta el apartamento 8763 de la Avenida Wonderland y ahí mataron a “tubazos” a cuatro de los miembros de “La Banda de Wonderland”. Las pistas llevaron a la policía a Nash y Holmes, pero un jurado absolvió a Holmes, tomando en cuenta el pasado colaboracionista de John en la persecución de redes de prostitución de menores.

En 1983 John Holmes decidió aceptar un papel protagonico en una película porno gay titulada “The Private Pleasures of John C. Holmes”, donde uno de los actores lo habría contagiado de Sida. Ese mismo año se divorció de su primera esposa y en 1986, tras ser diagnosticado oficialmente como VIH positivo, aceptó una propuesta para filmar una película porno en Italia, donde mantuvo sexo filmado sin protección sin decir nada de su condición de seropositivo a ninguno de los miembros del elenco, lo que posteriormente provocó que el filme fuese un éxito de ventas.

En 1987, tras confiarle que padecía sida, Holmes se casó en Las Vegas con la actriz porno y prostituta Laurie Rose, quien intentó alejarlo de las drogas mediante intercambios de parejas y subastas sexuales. Holmes confesaría en esa época que jamás tuvo relaciones duraderas porque “las mujeres tienen la esperanza de encontrarse con el tipo que ven en la pantalla. Ellas no me aceptan como soy realmente. Solo soy un ser humano”. Su esposa Laurie Rose, tras enterarse que Holmes padecía Sida, comentó que “él se reía de aquello. No hizo mayor drama de su enfermedad, así que cerramos la oficina y nos fuimos a la playa. Tocamos nuestras canciones favoritas, paseamos y hablamos. John me dijo que le parecía como si le hubiesen elegido para coger el sida por ser quien era, por cómo vivía. Se sentía como si fuera un ejemplo”.

John Holmes fallecería en el Hospital de Veteranos en Sepulveda Boulevard en Los Ángeles, por complicaciones relacionadas con el Sida (según su certificado de defunción, murió por un paro cardiorrespiratorio y encefalitis) el 13 de marzo de 1988 a la edad de 43 años. Su cuerpo fue incinerado y su viuda, Laurie, y su madre, Mary, esparcieron sus cenizas en el mar frente a la costa de Oxnard California.

Con el paso del tiempo, se valoraría la importancia de John Holmes en el surgimiento y desarrollo del cine pornográfico en Estados Unidos, tal como lo manifestó el cineasta Bob Vosse en el documental “Wadd: The Life and Times of John C. Holmes: “John Holmes fue a la industria cinematográfica para adultos lo que Elvis Presley fue para el rock ‘n’ roll. Simplemente fue El Rey.” Como actor Holmes compartió cama con las figuras más rutilantes del género, como Linda Lovelace, Cicciolina, Seka, Vanessa del Río, Amber Lynn, Marilyn Chamber y Tracy Lords. Cicciolina, la exdiputada porno italiana, conoció a Holmes en el final de su carrera y dijo de él que “le pareció un muerto en vida, alguien que había perdido ya toda ilusión por las pequeñas cosas y placeres de una vida que se le extinguía con cada nuevo orgasmo.”

La convulsionada y cruda vida de John Holmes, el “Elvis Presley del cine porno”, inspiraría varios libros, un extenso ensayo en la revista Rolling Stone, dos documentales y las películas “Boogie Nights” (1997) y “Wonderland” (2003).

El actor Val Kilmer personificanco a John Holmes en los últimos años de su vida en la película “Wonderland”.

Mark Walhberg interpretando al actor porno Dirk Diggler en la película “Boogie Nights”. El personaje de Diggler se basó en la vida del actor porno John C. Holmes.

La película, basada en un artículo publicado el año 1976 en la revista “New Work Magazine” titulado “Ritos tribales del nuevo sábado en la noche”, que en el que se detallaba la vida de los adolescentes de Brooklyn en plena era disco, giraba en torno al personaje de Tony Manero, un joven de una familia de raíces italianas del barrio neoyorkino de Bay Ridge. Durante el día Tony tenía un intrascendente y poco lucrativo trabajo como dependiente de una tienda de pinturas pero, por las noches, secundado por su pandilla de amigos, era el rey de las pistas en la discoteca “2001 Odissey”.

En esa discoteca, precisamente, donde Tony era el amo y señor (envidiado y admirado por los hombres y deseado por todas las chicas), éste conocía a Stephanie Mangano, una presumida joven ítaloamericana igual que él que trabajaba como secretaria en Manhattan y que se convertía en su pareja de baile para participar en un campeonato que iba a realizarse en la misma discoteca. Tony intentaba concretar una relación amorosa, pero ella, con más educación que él, lo rechazaba a pesar de sentirse atraída.

La película, simultáneamente, presentaba otros conflictos, como el dilema de Frank Manero, el hermano mayor de Tony, quien era sacerdote y dejaba el sacerdocio por falta de vocación; el amor no correspondido de Annete, una joven que idolatraba a Tony, pero que éste no tomaba en serio; y el problema existencial de Bobby C, uno de los amigos de Tony que dejaba embarazada a su chica y que al final protagonizaba una tragedia en el gran puente de Verrazano-Narrows, que comunicaba la zona pobre de Brooklyn con la sofisticada isla de Manhattan.

El carismático Tony Manero, cuyo gran sueño era aspirar a “cruzar el puente” de Verrazano para salir de la pobreza y alcanzar así el éxito y la fama, representó a toda una generación de jóvenes que esperaban que llegara el fin de semana para lucirse sobre la pista de baile, aún cuando sus padres no pudieran comprender que ese fuera el motor de su existencia. Los tics del personaje, la vestimenta, los pasos de baile, las luces y la música de los Bee Gees fueron los otros ingredientes que transformaron a esta película en un clásico del Séptimo Arte.

La cinta, que transformó a John Travolta en un ídolo mundial y en un ícono de la cultura pop, todavía es recordada por varias escenas, como la recordada escena inicial en que Tony Manero camina rítmicamente por las calles de Bay Ridge llevando un tarro de pintura al ritmo de la canción “Stayin alive” de los Bee Gees (la escena fue filmada poniendo la cámara en un “trolley” a ras de suelo y con un objetivo gran angular) o como cuando el mismo Tony demuestra su tremendo talento como bailarín en la discoteca “”2001 Odissey” al ritmo de la canción “You should be dancing” de los mismos Bee Gees.

También es recordada la divertida escena en que Tony, al ritmo del tema “Fever night” se encuentra en su habitación poniéndose su ropa de sábado y más tarde se enfada con su padre porque éste, en medio de una discusión, le pega un fuerte manotazo en la cabeza y lo despeina. “Me toma mucho tiempo peinarme y él arruina mi peinado”, dice un aproblemado Tony, como si se tratara del fin del mundo. Otra escena memorable es la pelea a mano limpia entre la pandilla de Tony y “Los Barracudas”, una pandilla de latinos que supuestamente habían mandado al hospital a uno de los amigos de Tony y la escena del concurso de baile en la discoteca “2001 Odissey”. La cinta terminaba con la dramática secuencia final, cuando Joey y J.J. se aprovechaban sexualmente de Annete en el auto, aprovechando que ésta había ingerido alcohol y pastillas; y cuando la pandilla de Tony, tras detenerse en el puente de Verrazano a hacer malabarismos en uno de su bordes, veían cómo el aproblemado Bobby C terminaba precipitándose al abismo y cayendo a las aguas del río.

“Fiebre de Sábado por la noche” no sólo se convirtió en un éxito en la taquilla mundial y le otorgó a John Travolta su primera nominación a un premio Oscar como mejor actor, sino que también impulsó el movimiento Disco por todo el mundo, convirtiéndose en un fenómeno sociocultural que cambió drásticamente el estilo de vida por aquella época, popularizando la forma de vestir, con el uso de zapatos con plataformas, camisas de cuello en V, pantalones pata de elefante y el baile, influenciando enormemente a la generación joven de fines de los 70’ y principios de los 80’s. La cinta también popularizó el papel de los DJs y los decorados, muy luminosos gracias al uso de la disco ball, las luces estraboscópicas y pistas de luces.

La banda sonora de la película, donde se incluían canciones de grupos como los Bee Gees, Tavares y K.C. and the Sunshine Band, Kool and the Gang y The Trammps, es considerada hoy la mejor banda sonora de todos los tiempos, y se convirtió en el segundo disco más vendido de la historia (después de “Thriller” de Michael Jackson) con 30 millones de discos vendidos. Curiosamente, según relataría John Travolta, los Bee Gees no fueron la primera opción al momento de pensar en la música de la película. “Al comienzo, bailábamos al ritmo de Stevie Wonder y Boz Scaggs”, confió el actor.

Entre otras curiosidades de esta mítica película pueden mencionarse las siguientes:

-El director original de la película iba a ser John G. Avildsen, quien en 1976 se había anotado un gran éxito mundial con “Rocky”. Sin embargo, Avildsen, tras leer el guión donde aparecían escena de bailes, cuasi violaciones y consumo de drogas, quiso “suavizar” al personaje de Tony Manero, lo que lo enfrentó a John Travolta, quien quería que el personaje fuera representado tal como aparecía en el guión. El productor de la película, el australiano Robert Stigwood, empresario teatral y manager de grupos musicales, finalmente citó a Avildsen a su oficina y le dijo: “Tengo dos noticias que darte: La primera es que te acaban de nominar para el “Oscar” por “Rocky”; la segunda es que estás despedido”. Avildsen finalmente le confiaría la película a John Badham, un joven pero promisorio director con poco experiencia tras las cámaras que no dudó en aceptar el encargo pese a que faltaban sólo dos semanas y media para que comenzara el rodaje.

- John Travolta bajó cerca de 9 kilos para encarnar al esbelto y apolíneo Tony Manero, y pasó tres horas diarias, durante nueve meses, practicando la coreografía que utilizaría en esta película. Su gran desafío era hacer la escena de baile de la canción “You Should Be Dancing” sin dobles de cuerpo y de principio a fin. De hecho, cuando se enteró que el director John Badham pretendía que él sólo hiciera los primeros planos de la secuencia, se puso de muy mal humor y aseguró que él estaba en condiciones físicas de realizarla de manera íntegra. Sin embargo, cuando John Travolta vio por primera vez la edición final del film quedó horrorizado: “La interpretación me gustó bastante, pero las escenas de baile… bueno prácticamente no existían. Especialmente el número en solitario. Lo habían editado de tal forma que sólo se veían unos cuantos primeros planos y nada de todos aquellos pasos en los que yo había trabajado sin descanso durante nueve meses….” Después que Travolta se quejara con el productor Robert Stigwood, la película fue editada de nuevo, incorporando las escenas de baile, que se transformarían a la postre en uno de las secuencias más memorables de la cinta.

-Antes de encarnar a Tony Manero, John Travolta, de 23 años por entonces, ya era conocido en todo Estados Unidos gracias a su personaje de Vinnie Barbarino en la serie “Welcome back, Kotter” y al disco “Can’t Let Go”, que provocó que la prestigiosa revista “Billboard” le concediera un premio como “Mejor vocalista masculino”. La persona que alentó a John Travolta a encarnar a Tony Manero fue la actriz Diana Hyland, quien era por entonces novia de Travolta, pese a que era 18 años mayor que él, y a quien había conocido durante el rodaje de la película “El chico en la burbuja de plástico” (1976). Sin embargo, durante el rodaje de “Fiebre de sábado por la noche” se descubrió que Hyland padecía de un avanzado cáncer de mama. Su salud se fue debilitando rápidamente hasta su muerte, el 27 de marzo de 1977. La producción de la película entró en receso por unos días para que Travolta pudiera asistir al funeral y se recuperara de la pérdida.

-En la escena inicial de la cinta, cuando Tony camina con el tarro de pintura y se detiene a comprar un trozo de pizza, la chica que se la vende era su hermana Ann en la vida real, mientras que la señora que aparece esperando en la tienda de pinturas que Tony llegue con su tarro es Helen Travolta, la madre en la vida real del actor.

- Para la escena en que Tony y Stephanie participan en el concurso de baile, John Travolta quería vestir de negro sobre la pista, pero la producción lo convenció de llevar el ya icónico traje blanco para que las luces de colores y sus movimientos se lucieran mejor en cámara. Uno de estos trajes sería comprado en una subasta por 145 mil dólares por el crítico de cine Gene Siskel, quien se reconoció fanático de la película.

-Karen Lynn Gorney, la actriz que encarnó a la coprotagonista Stephanie Mangano, era nueve años mayor que John Travolta. De ese modo, cuando filmaron la cinta ella tenía 32 años mientras que John Travolta tenía 23 años (Después de su participación, ella no volvería a actuar en ninguna producción hasta 1991).

-En la película aparece brevemente la actriz Fran Drescher, quien se haría famosa protagonizando la popular comedia “The Nanny”. Drescher interpretó al personaje de Connie, una amiga de Tony que en la discoteca le pregunta si él es “tan bueno en la cama como en la pista de baile”, saliendo ambos a bailar posteriormente.

-La película tuvo un presupuesto de 3,5 millones de dólares, pero las ganancias superaron todas las expectativas al recaudar más de 350 millones de dólares en todo el mundo desde su estreno en Estados Unidos, en diciembre de 1977. No obstante, la falta de fondos durante el rodaje llevó, por ejemplo, a reducir drásticamente los gastos de producción. Como no había dinero para alquilar una máquina de humo, se recurrió a una “mezcla tóxica de brea caliente y neumáticos de autos encendidos”, según contó el iluminador Bill Ward. Esta nociva emanación no pasó desapercibida para nadie y, en un momento, el propio Travolta tuvo que ser auxiliado con oxígeno en pleno rodaje.

-Con respecto a la discoteca “2001 Odissey”, esta tomó su nombre de la famosa película de Stanley Kubrick de 1968 y funcionó posteriormente como tal hasta el año 1987, en que se convirtió en una disco gay con el nombre de “Spectrum”. Fue finalmente demolida a fines del 2005, pese a las protestas de los románticos de la película, que la consideraban como un verdadero santuario de la época disco.

A exactos 40 años del estreno de “Fiebre de Sábado por la noche” en los cines de nuestro país, así lucen hoy algunos de los miembros de su elenco:

1) John Travolta (Tony Manero):

2) Karen Lee Gorney (Stephanie Mangano):

3) Donna Pescow (Annete):

4) Joseph Cali (Joey):

5) Barry Miller (Bobby C):

6) Paul Pape (J.J.):

7) Martin Shakar (Frank Manero Jr.):

8) Julie Bovasso (Señora Manero) (1930-1991):

9) Fran Drescher (Connie):

10) Sam Coppola (Señor Fusco) (1935-2012):

11) Val Bisoglio (Señor Frank Manero):

Video de “Fiebre de Sábado por la noche”: Tony Manero bailando en la disco “2001 Odissey” la canción “You should be dancing” de los Bee Gees:

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Madness.

Taco.

A continuación, y luego del primer artículo, les presentamos la segunda parte de los 20 canciones “one hit wonders” más populares de la década de los 80’:

11) “Video Killed the Radio Star” (The Buggles):

Esta canción, lanzada en septiembre de 1979, se convertiría a fines de ese año y a principios de 1980 en número 1 en las Islas Británicas y en otros países de Europa. El video de la canción, dirigido por el cineasta Russell Mulcahy (quien en los años siguientes se haría famoso dirigiendo los famosos videoclips de Duran Duran) fue el primero en ser emitido por la cadena estadounidense MTV, el 1 de agosto de 1981, ya que tanto la letra de la canción como las imágenes del vídeo, con radios explotando, hacían referencia a una vieja estrella de la radio que ve cómo sus días de gloria acababan debido a la proliferación y popularidad del vídeo.

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12) “Funkytown” (Lipps Inc):

Esta canción de 1980 del género disco alcanzó el primer lugar en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, además de alcanzar el top absoluto de las listas de países como Alemania, Australia, Suiza y Los Países Bajos. La primera versión de la canción, que se escribió mientras esta banda de música vivía en Minneapolis, Estados Unidos y deseaba mudarse a Nueva York, duraba cuatro minutos, pero posteriormente se alargaría a siete minutos y cincuenta segundos debido a la gran popularidad que alcanzó en las discotecas estadounidenses.

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13) “Puttin’ On the Ritz” (Taco):

Esta clásica canción fue escrita originalmente por el compositor estadounidense Irving Berlin en 1927 y publicada por primera vez el 2 de diciembre de 1929, apareciendo en la película homónima de 1930. Desde entonces la expresión “Puttin’ on the Ritz” significó vivir y vestir de forma opulenta, haciendo referencia a los lujosos hoteles Ritz. La canción cobraría una nueva popularidad a comienzos de los años 80’, cuando el cantante indonesio de ascendencia holandesa Taco lo volvió a grabar, transformándola en un hit internacional.

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14) “Our House” (Madness):

La banda británica de ska y pop británico Madness se anotó el único éxito internacional de su carrera con esta inolvidable canción de 1982, incluida en su cuarto álbum de estudio, “The Rise&Fall”. La canción, además de alcanzar los primeros lugares de los charts en varios países a ambos lados del Atlántico, ganó el premio Ivor Novello Awards a la Mejor Canción Pop de las Islas Británicas en mayo de 1983.

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15) “The Safety Dance” (Man without hats):

El grupo de synth pop británico Man withouts hats alcanzó el top 3 de las listas internacionales a ambos lados del Atlántico con esta canción de 1982, compuesta por el cantante del grupo, Ivan Doroschuk. El video del tema, ambientado en la era medieval, fue filmado en la localidad inglesa de West Kington.

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16) “Come on Eileen” (Dexy’s Midnight Runners):

Esta canción de 1982 hizo conocido mundialmente al grupo británico Dexis Midnight Runners, que ganaría al año siguiente, gracias a este mismo tema, el premio al mejor single Británico en los Premios Brit. La canción tiene la particularidad de que comienza con un violín celta, que suena sobre un ritmo de tambor, acompañado de un bajo eléctrico y un piano.

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17) “You should hear how she talks about you” (Melissa Manchester):

Esta canción de 1982 alcanzó el top Five del ranking Billboard Hot 100 de Estados Unidos y permitió que la cantante Melissa Manchester, quien hasta ese momento sólo era conocida en su país como intérprete de baladas, ganara un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina del año. Según Dean Pitchford y Thomas R. Snow, los compositores del tema, el concepto lírico de la canción, cuyo título significa en español “Deberías escuchar cómo ella habla de ti”, fue tomado de la canción “She loves you”, de los Beatles, siguiendo la idea “de que alguien te informe que una chica o un chico está enamorado de ti”.

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18) “Alone again” (DOKKEN):

Esta famosa power ballad lanzada el año 1984 lanzó a la fama a este grupo estadounidense de hard-rock. Incluida en el álbum “Tooth and nail”, la canción destaca por el poderoso sonido que despliega la banda y la cálida voz de su líder y vocalista, Don Dokken.

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19) “Imagination ” (Belouis Some):

Esta canción de 1985, incluida en el disco debut del cantante británico Belouis Some, logró gran popularidad a ambos lados del Atlántico. Según los críticos musicales, la canción describía “el encuentro de un hombre británico con una mujer estadounidense extremadamente autocomplaciente”, expresando “el conflicto entre la realidad y los sueños”.

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20) “19″ (Paul Hardcastle):

Esta canción de 1985 lanzó a la fama al músico británico Paul Hardcastle, quien confesó que el título provenía de la afirmación del documental “Vietnam Requiem” de que la edad promedio de un soldado de combate estadounidense en la guerra de Vietnam fue de 19 años, mientras que en la Segunda Guerra Mundial fue de 26 años. Harcastle agregó que, viendo el documental, que trataba sobre el trastorno de estrés postraumático sufrido por los veteranos de Vietnam, se decidió a escribir la canción, que en su estructura incluye extractos de noticieros de la época y la frase “I wasn’t really sure what was going on” (“No estaba muy seguro de lo que estaba pasando”). Según Hardcastle, “lo que me sorprendió fue lo jóvenes que eran los soldados: el documental decía que su edad promedio era de 19 años. Yo a esa edad estaba divirtiéndome en pubs y clubes, no me metieron en junglas y me dispararon”.

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BONUS TRACK:

21) “Luka” (Suzanne Vega):

Esta canción, que alcanzó en 1987 el top 3 del Billboard Hot 100, alcanzó gran notoriedad al tratar por primera vez el tema de abuso infantil y la violencia doméstica. “Luka” está escrito desde la perspectiva de un niño que recibe abuso físico procedente de su propio entorno familiar. Según Suzanne Vega, para escribir la canción se inspiró en la realidad cotidiana de algunos de sus vecinos más jóvenes en su barrio de Harlem, en Nueva York.

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