Algunas de las mejores películas de los años 90′ pueden ser consideradas, qué duda cabe, dentro del selecto grupo de las mejores cintas de la historia. El medio www.usmagazine.com publicó recientemente una lista donde enumera a las 10 mejores películas de los años 90′, de 1990 a 1999, año por año, aclarando que de ese listado sólo tres películas coincidieron con la película que ganó el Oscar a la Mejor Película.

Este, entonces, es el listado:

1990: “Buenos Muchachos” (“Goodfellas”, Martin Scorsese):

Basada en un libro sobre hechos reales escrito por Nicholas Pileggi, esta obra maestra del director Martin Scorsese narra el ascenso y caída de tres mafiosos durante tres décadas, interpretados por Ray Liotta, Robert De Niro y Joe Pesci.

Esta cinta fue escogida como mejor película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y por la Asociación Nacional de Críticos de Cine, ganándose el elogio unánime de la crítica.

Peter Travers, famoso crítico de la revista Rolling Stone, la catalogó como “un clásico americano del crimen…Es un logro prodigioso”, mientras que el no menos famoso crítico Roger Ebert afirmó que “no se ha hecho una mejor película sobre el crimen organizado…ni siquiera ‘El Padrino’…Puntuación: ★★★★ (sobre 4)”

“Buenos Muchachos” sería nominada a seis premios Oscar, incluyendo Mejor película, aunque sólo obtendría la estatuilla a Mejor Actor de reparto para Joe Pesci.

1991: “La bella y La bestia”

Esta película de animación de los estudios Disney fue la primera película animada nominada al Óscar a la mejor película, puesto que en esa época aún no existía la categoría de Óscar a la mejor película de animación.

Tras su estreno, fue un éxito rotundo de critica y público, recaudando más de 403 millones de dólares en todo el mundo. A fines de 1991, se convirtió en la tercera cinta más taquillera de ese año, siendo sólo superada por “Terminator 2: el juicio final” y “Robin Hood: príncipe de los ladrones”.

1992: “Los imperdonables” (“Unforgiven”, Clint Eastwood):

Clint Eastwood, quien se hiciera famoso en los años 60′ encarnando al lacónico y letal pistolero conocido como “El Hombre sin nombre” en los spaghetti western de Sergio Leone, dirigió y protagonizó esta cinta nominada a 9 premios Oscar, de los cuales ganó cuatro, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.

Eastwood interpretó en este crepuscular western a William Munny, un ex asesino desalmado y pistolero retirado, viudo y padre de familia, que para sacar adelante su granja y sus dos hijos, acepta hacer un último trabajo: matar a dos hombres que desfiguraron a una prostituta. Para ello, se acompaña de un viejo colega de correrías y de un joven pistolero inexperto. Famoso es uno de los diálogos entre Munny y uno de sus compañeros, cuando Munny reflexiona: “Matar a un hombre es algo muy duro; le quitas todo lo que tiene y todo lo que podrá tener”.

Todd McCarthy, crítico de la revista Variety, calificó esta cinta como “una historia tensa, dura y soberbiamente dramática que también es una meditación muy inteligente sobre el Oeste, sus mitos y sus héroes”, mientras que Peter Travers aseguró que “en tres décadas sobre la la silla de montar, Eastwood nunca había cabalgado tan alto”.

Al final de los créditos de esta ya clásica cinta, Eastwood la dedicó a sus dos grandes maestros como directores: Sergio Leone y Don Siegel: “A Sergio y Don”.

1993: “La lista de Schindler” (Steven Spielberg):

El Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, estrenó en 1993 una de sus cintas más duras y personales. Una estremecedora historia verídica ambientada en Polonia, en plena Segunda Guerra Mundial, cuyo protagonista era Oskar Schindler (Liam Neeson), un empresario alemán de gran talento para las relaciones públicas, que se ganaba la simpatía de los nazis para impulsar su fábrica de Cracovia, donde empleaba a cientos de operarios judíos.

Sin embargo, Schindler terminaba conociendo a su pesar la crueldad del holocausto y la maldad de los nazis, personificados en el psicopático Amon Goeth (Ralph Fiennes), el comandante del campo de concentración de Plaszow que disfrutaba ejecutando judíos.

Ganadora de varios premios Oscars, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, esta cinta impresionó al público y la crítica, que elogiaron su realismo, emotividad y rigor histórico. la crítica Janet Maslin opinó, por ejemplo, que “superando con brillantez el reto del material y con un despliegue de energía creativa electrizante, Spielberg se ha asegurado de que ni él, ni el Holocausto, se puedan volver a ver de la misma manera jamás”.

1994: “Tiempos Violentos” (“Pulp Fiction”, Quentin Tarantino).

El niño prodigio del cine de los años 90′, Quentin Tarantino, firmó en 1994 quizás su mejor trabajo fílmico con esta magistral e icónica cinta, que entrelazaba cuatro historias ambientada en Los Ángeles, entre ellas la de un boxeador veterano que fingía amañar su propia pelea y dos sicarios a sueldo, Jules y Vincent, que debían recuperar un misterioso maletín, antes que el segundo de ellos debiera cumplir otro particular encargo de su jefe: cuidar de Mia, su atractiva y peligrosa mujer.

Con diálogos brillantes, una banda sonora inolvidable y la escena de baile más famosa del cine de los últimos 30 años, esta cinta ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes recibió 7 nominaciones a los premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Director, aunque sólo ganaría al Mejor Guión.

El crítico Richard Corliss aseguró en su reseña que Pulp Fiction “se eleva por encima de las otras películas del año tan majestuosamente y amenazadoramente como el jefe de una pandilla en una escuela preescolar”, mientras que el crítico Pablo Kurt escribió: “Maravillosamente filmada, de nuevo sorprende su estructura narrativa en un desborde de creatividad estética y guiños cinéfilos de enorme impacto en crítica y público. Un título sublime, un póster perfecto, infinidad de escenas memorables, el misterioso maletín como MacGuffin, una banda sonora impecablemente elegida, John Travolta bailando… Son innumerables los hallazgos de esta sinfonía audiovisual pop que reinventa (o se inventa) una fusión de códigos y géneros para alumbrar todo un clásico del cine moderno”.

1995: “Corazón Valiente” (“Braveheart”, Mel Gibson):

En 1995 el actor y director Mel Gibson sorprendió al público y al mundo del cine con una película histórica ambientada en el siglo XIV, un drama de 3 horas lleno de fuerza, ritmo y sangre cuyo protagonista era William Wallace, guerrero y héroe independentista escocés que se enfrentaba a los invasores ingleses tras la ejecución de su joven esposa.

Con algunas de las escenas de batalla más prodigiosas y brutales vista en décadas, esta cinta ganó 5 premios Oscars, incluyendo Mejor Película, director, fotografía, sonido y maquillaje, encandilando por igual al público y la crítica.

El crítico norteamericano Owen Gleiberman, por ejemplo, escribió que “‘Braveheart’ ofrece algunas de las secuencias de combate más fascinantes en años, y la excesiva ferocidad de su violencia es parte de la emoción”, mientras que Caryn James, del New York Times, la calificó como “uno de los entretenimientos más espectaculares en años… Una apuesta grande y ambiciosa que recompensa”.

Como si lo anterior no bastara, la cinta contiene una de las frases más icónicas y repetidas del cine de los años 90′: “Podrán quitarnos nuestras vidas, pero jamás podrán quitarnos nuestra libertad”.

1996: “Fargo” (Joel & Ethan Coen):

Los hermanos Coen se consagraron oficialmente con esta magistral cinta ganadora de dos premios Oscar (Mejor Guión y Mejor Actriz), ambientada en los helados y nevados paisajes de Dakota, donde un hombre pusilánime y tímido, casado con la hija de un millonario que le impedía disfrutar de su fortuna, decidía contratar a dos criminales para que secuestraran a su mujer con el fin de montar un negocio propio con el dinero del rescate. Pero, por una serie de azarosas circunstancias, el secuestro terminaba con tres brutales asesinatos, lo que obligaba a una astuta policía local embarazada a intervenir.

Janet Maslin, crítica de The New York Times, opinó que “los Coen dan su mejor nivel…Su humor absurdo y su narración hermosamente pulida le dan a la película una acritud satisfactoria”.

1997: “Los Ángeles al Desnudo” (“L.A. Confidential”, Curtis Hanson):

El siempre atrayente cine negro parecía definitivamente extinguido hasta que a finales del siglo pasado se estrenó esta formidable película del director Curtis Hanson, basada en la novela homónima del escritor James Ellroy.

En la ciudad de Los Ángeles de los años 50′, tres detectives muy diferentes entre sí, el impetuoso y noble Bud White (Russell Crowe), el formal y ambicioso Ed Exley (Guy Pearce) y el carismático Jack Vincennes (Kevin Spacey), comenzaban a investigar un crimen cuyas ramificaciones de corrupción terminaban llegando a las esferas mismas del municipio y del departamento de Policía de la ciudad.

la crítica Janet Maslin elogió la cinta y la califico como “un hábil y elegante film ‘noir’, con un reparto impecable y un estilo abrasador”, mientras que Rogert Ebert aseguró que la película “está inmersa en la atmósfera y en la tradición del film noir… Me sentí dentro de una novela de Raymond Chandler. Puntuación: ★★★★ (sobre 4)”.

Esta cinta ganadora de premios 2 Oscars ( Mejor Actriz Secundaria para Kim Basinger y Mejor Guión Adaptado), no obstante, no pudo quedarse con más galardones debido a que tuvo la mala suerte de estrenarse en 1997, el mismo año en que se estrenó “Titanic”, lo que provocó que los premios de la Academia no pudieron refrendar una indiscutible obra maestra.

1998: “Rescatando al Soldado Ryan” (Steven Spielberg):

Toda una generación de cinéfilos perdió para siempre la inocencia en cuanto a lo que eran la películas de guerra, tras ver los primeros 25 minutos de esta indiscutible obra maestra del cine bélico, que mostró como nunca antes la brutalidad de la guerra y el desembarco aliado en las playas de Normandía, en 1944, en uno de los comienzos más impactantes y estremecedores de la historia de cine.

Ese estremecedor comienzo sólo era el preámbulo del argumento central de la cinta, cuando un grupo de soldados americanos, pertenecientes a la patrulla del capitán John Miller (Tom Hanks) debían arriesgar sus vidas cuando se les encomendaba una peligrosa misión: localizar y poner a salvo al soldado James Ryan, cuyos tres hermanos acababan de morir en diferentes frentes de batalla. Lo único que se sabía de él era que se había lanzado con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas.

El crítico Stephen Hunter, de The Washington Post, hizo una de las críticas más acertadas de la película: “Aguda, conmovedora, tan intensa que convierte tu cuerpo en un reducto de músculos apretados, es, simplemente, la mejor película bélica que se haya hecho nunca”, mientras que Todd McCarthy, de la revista Variety, afirmó que “no se necesita más comentario, cuando la cruda brutalidad del combate se nos muestra de una manera tan indeleble como aquí”.

Esta cinta, ganadora de cinco premios 5 Oscars (Mejor Director, fotografía, montaje, sonido y efectos sonoros), no se llevó el galardón a la Mejor Película porque los miembros de la Academia decidieron premiar en cambio a la mediocre cinta “Shakespeare enamorado” ¿La razón? no querían premiar de nuevo una película de Steven Spielberg, quien hace unos pocos años ya había ganado un premio Oscar a la Mejor Película con “La Lista de Schindler”.

1999: “El Club de la Pelea” (“Fight Club”, David Fincher):

Este nihilista canto al inconformismo basado en el libro homónimo del escritor Chuck Palahniuk tenía como protagonista a un joven profesional insomne (Edward Norton), quien, hastiado de su gris y monótona vida, conocía en un viaje en avión a Tyler Durden (Brad Pitt), un carismático y joven vendedor de jabón que presumía de un filosofía muy particular: “tus posesiones terminan poseyéndote”, agregando que “el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; sólo la autodestrucción hace que la vida merezca la pena”. Ambos jóvenes, entonces, decidían fundar un club secreto de lucha, donde poder descargar sus frustraciones cotidianas y su ira. Este club tenía un éxito instantáneo, aunque el joven insomne pronto descubría que Tyler Durden no era en realidad la persona que él pensaba que era.

“El Club de la Pelea”, tras su estreno, fue un fracaso comercial, aunque con el paso del tiempo se convertiría en una obra de culto. La crítica norteamericana Carrie Rickey, por ejemplo, la calificó como “feroz, alucinatoria, a menudo brillante, la película de David Fincher es un puñetazo combinado de sátira social y sociopatología”, mientras que Peter Travers escribió que “te empuja, lucha contra tus prejuicios, sacude tu mundo y te deja riéndote en la cara del abismo…Un indiscutible clásico americano”.