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Recorriendo “El lado oscuro de la luna”: Revisión de uno de los discos trascendentales de la historia

“No hay un lado oscuro lunar, en realidad, todo es oscuro” (fue lo que dijo el portero de los estudios Abbey Road).

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Han pasado más de cuatro décadas desde que se publicó el álbum “El lado oscuro de la luna”, un 24 de marzo de 1973, marcando un antes y un después en la historia de la mítica banda Inglesa Pink Floyd. Su temática es su visión de la crisis de la vida moderna y sus conflictos los que —exacerbados— nos pueden llevar hasta la locura como a Syd Barret, su ex integrante.

Yo pienso que directamente esta obra es un homenaje claro a él y que los conceptos tras cada canción son: “Speak to Me / Breathe” (la vida), “On the Run” (el miedo), “Time” (la ansiedad), “The Great Gig in the Sky” (la muerte), “Money” (la avaricia), “Us and Them” (la soledad), “Any Colour You Like” (la libertad), “Brain Damage” (la locura), “Eclipse” (la humanidad).

El disco casi cambia de nombre a “Eclipse”, el nombre de la última canción, ya que había otra banda, “Medicine Head”, que había sacado un disco con este título. Como no fue muy exitoso, finalmente decidieron mantener su nombre.

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Sin duda alguna, este es uno de los discos más importantes en la historia de la música popular. En todos los rankings figura como un imprescindible de cualquier colección y hasta hoy es top de ventas en casi todos los países, lo que lo ha llevado a ganar innumerables premios, como discos de oro, platino e incluso de diamante por sus unidades vendidas, las que se estiman en más de 57 millones.

Además, su éxito es tal que ostenta el record Guinness como el álbum que más tiempo ha permanecido dentro de los top (¿5, 10, 20?) de posiciones del Bilboard: 14 años.

El inicio de Pink Floyd fue en 1964 a partir de una banda llamada Sigma, la que por diversas circunstancias fue cambiando de nombre hasta llegar al definitivo, el que se conforma de los nombres de los bluseros Pink Anderson y Floyd Council.

El comienzo fue el mundo del underground universitario y fueron el bastión de la música psicodélica, la que se imponía poco a poco, diferenciándolos de otras bandas clásicas de la época.

Sus temáticas, puestas en escena, la duración de sus canciones, lo experimental de sus sonidos y la vanguardia tecnológica que los llevó incluso a inventar lo que serían los primeros sintetizadores, hicieron que sus primeros discos fueron todo un éxito y los llevó incluso a realizar la banda sonora para la película “More” (1969).

Pero luego de 8 discos y la salida de Syd Barret de la banda, Roger Waters buscaría no solo el liderazgo de la banda, sino salir del mundo alternativo y acercarse al mundo popular sin perder esencia.

El álbum fue grabado en los estudios de EMI, en Abbey Road, entre junio de 1972 y enero de 1973. Durante muchas de las sesiones de grabaciones en el estudio N°2 tuvieron que esperar a que The Beatles terminaran de grabar y el mito urbano es que para grabar el disco, la costumbre era reciclar las cintas de una pulgada por su alto costo y por eso acabó registrada sobre el disco “Help”. Por eso, al finalizar el disco, se dice que se escucha tenuemente parte de “Ticket to ride”.

El ingeniero de sonido fue el respetado Alan Parsons, tras la mezcla estuvo Chris Thomas (ganaron un Grammy por este trabajo), el disco se grabó con la mejor tecnología del momento con una mesa de 16 canales y con sonido cuadrafónico, cosa imposible de apreciar en esa época, ya que solo se podía escuchar en los equipos convencionales en estéreo. Con el paso del tiempo, recién para la conmemoración de los 30 años, se reeditó una versión que emulaba el sonido en 5.1, cosa ya habitual en toda casa con un sistema de audio home theater.

Como casi todos crecimos con el disco, veamos algunos de los detalles poco conocidos de cada canción y algunas de las singularidades del disco:

SPEAK TO ME – HÁBLAME

Se dice que el nombre de esta canción proviene de la clásica pregunta que Alan Parson (ingeniero de producción) hacia apenas Roger Waters prendía el monitor de audífonos diciendo “Speak to me” (háblame).

Originalmente esta canción era individual, pero en versiones posteriores del disco se fusiono con la siguiente “Breathe”, por eso es que todos creen que es solo una.

La canción se inicia con un silencio de 10 segundos, cosa poco habitual para un disco. De a poco escuchamos el latido de un corazón que se hace cada vez más fuerte, luego aparecen diversos sonidos, relojes, un helicóptero, una caja registradora, una risa perturbadora, voces y por último, los gritos de una mujer. Todos estos sonidos vendrían a hacer un resumen característico de cada una de las canciones que vendrían.

La voz de fondo (Chris Adamson, roadmanager de la banda) dice: “He estado loco por muchos putos años, verdaderamente por años, estando en el borde por años, gastándome los huesos por las bandas”
“Yo siempre he estado loco, yo sé que he estado loco, como la mayoría de nosotros, es difícil de explicar por qué estás loco, aunque no lo estés”, agrega.

Los créditos de esta canción le fueron cedidos a Nick Mason por Roger Waters, pero una vez que este se retiró de la banda, exigió sus derechos legalmente y es por eso que en las versiones nuevas del disco ya figura su nombre.

BREATHE (RESPIRA)

La letra hace referencia a las presiones de la cotidianeidad, y a las diferentes acciones que el ser humano realiza en forma automática, casi sin darse cuenta y en forma rutinaria, como respirar; la idea se da en la letra
.
“Corre, conejo, corre…”. “Haz un hueco, olvídate del Sol”. “Y cuando al fin el trabajo esté hecho…” “No te sientes, es momento de comenzar otro más”. (¿ES UNA SOLA FRASE O VARIAS?).

El termino “conejo” sería una referencia al libro “Rebelión en la granja”, de George Orwell, que fue la inspiración para los contenidos del futuro disco “Animals”.

ON THE RUN (A LA CARRERA)

La idea original de este instrumental era desarrollarlo a partir de solos de teclado y guitarra, pero a última hora apareció en el estudio un sintetizador EMS VCS3, lo que captó la atención de la banda y decidieron aventurar y darle un sonido más moderno y abstracto, grabando todo en una sola toma con un ritmo totalmente vertiginoso: el anuncio de la salida de unos vuelos y el sonido de pasos de una persona corriendo, que nos sugiere que vivimos corriendo, no disfrutamos lo que hacemos, todo es trabajo.
Esto, complementado con la voz que dice: “Vive por hoy, vete mañana, ese soy yo”; tenemos que sobrevivir el presente, ya que del mañana poco se tiene cuenta, por eso cuando llegamos a su final nos sorprende el sonido de una explosión o choque de helicóptero y nuevamente pasos, sentenciando que todo ese correr no sirve de nada cuando tenemos un fin.

TIME (TIEMPO)

Paulatinamente comienza el sonidos de relojes y alarmas, dando paso a su temática incisiva, del como desperdiciamos la vida. “Tu esperas y malgastas las horas que vienen y van”, dedicándonos al trabajo cotidiano y haciendo planes que nunca concretamos. Luego seguimos con uno de los solos de guitarra más importantes del disco, para continuar con la idea sobre la vida: “Planes que se volvieron nada o medias páginas de líneas al azar”.

“El tiempo se acabó, la canción se terminó”, la primera canción “Breathe” se hace presente nuevamente al final de “Time”, pero mucho más cruda, como para que demos un respiro y luego se funde con la siguiente “The Great Gig in the Sky”. La que originalmente se llamaría “The Mortality Sequence” (La Secuencia mortal), que tenía un sarcasmo relacionado con la religión, presencia tangible sobre todo en las personas mayores cuando morimos. La canción tenía extractos de lecturas del libro de los Efesios y una narración de Malcolm Muggeridge, uno de los clásicos personajes religiosos de esa época de la BBC, pero para evitar la controversia y alguna que otra acción legal, se remplazó atinadamente por un coro femenino.

THE GREAT GIG IN THE SKY (EL GRAN RECITAL EN EL CIELO)

Originalmente este instrumental se pensó que fuera instrumentalizada con órgano, pero generaba una atmosfera demasiado triste, casi fúnebre, por lo que Rick Wright simplifico la melodía y la suavizo en piano. Escuchamos de fondo “No le tengo miedo a morir, en algún momento pasará, no importa. ¿Por qué debería temerle a morir? No hay razón para ello, uno se va en algún momento”.

Del piano se pasa a un órgano Hammond y la celestial voz femenina de Claire Torry a la cual se le indico “haz lo que quieras”, y el resultado es sencillamente notable pese a que ella se fue convencida después de la grabación de que su aporte no seria incluido, para cerrar la melodía vuelve al piano en forma más tenue, muy suave nuevamente la voz de fondo remata con “Yo nunca dije que le tenía miedo a la muerte”.

Lo anecdótico de esta canción es que a raíz de su popularidad (fue elegida una de las mejores canciones para tener relaciones sexuales en algunos países); la banda tuvo que considerar a futuro para diversas giras el considerar dentro del equipo el tono y rango de una cantante de color para la interpretación de esta canción.

Un tema de discusión entre los puristas es el de los segundos finales, ya que presenta un defecto producto del estampado del vinilo. Algunos dicen que es una variación producida en la cinta de grabación del estudio y muchos aluden que con lo quisquilloso del grupo, este defecto no es al azar.

MONEY (DINERO)

Es el emblema del disco; la introducción característica de cajas registradoras y dinero por montones. La temática irónica e inequívoca de la superficialidad, la ambición, el materialismo etc. consigue un buen trabajo que pague más y estarás OK” “Carro nuevo, caviar, el sueño de cuatro estrellas” “no me vengas con esa pendejada de hacer el bien”
Luego el tremendo solo de Saxofon de Dick Parry quien se roba la película, armando la base para el solo de guitarra de Gilmore, para seguir con la realidad “Dinero es un crimen” “Dinero, así como dicen” “es la raíz de todo el mal de hoy”

US AND THEM (ELLOS Y NOSOTROS)

Esta canción trata sobre la guerra y sus protagonistas, “y después de todo solo somos hombres comunes y corrientes” “Dios solo sabe que no es lo que elijaríamos hacer” “Y el general sentado, y las líneas en el mapa”

La canción fue escrita por Richard Wright en 1969 para la película Zabriskie Point, pero se objetó su uso en esta y quedo guardada por lo que se reciclo para este disco, Waters le puso letra el titulo original era “The Violent Sequence” (La Secuencia Violenta).
Menos mal que la canción no se perdió porque es una de las canciones más significativas de la banda y presente en todos sus conciertos y grandes éxitos y nuevamente la participación del saxofón y su solo le da una profundidad distintiva.

La última frase dice “el hombre viejo murió” referenciando al padre de Waters, que murió en la guerra antes de que él naciera (situación reflejada en The Wall).

ANY COLOUR YOU LIKE (CUALQUIER COLOR QUE TE GUSTE)

Se grabó casi en una toma, en una interpretación casi improvisada, algo que la banda no había hecho desde “Careful with that axe, Eugene” del álbum “Relics” de 1971, la canción es una recreación instrumental del tema Breathe, presencia de teclados con efectos de eco, dándole una sensación electrónica, posteriormente pasa al solo de guitarra el cual fue grabado doble para dar la sensación de que son dos guitarras, finalmente en la parte final se reúne el teclado con la guitarra para hacer la transición a la siguiente canción.

BRAIN DAMAGE (DAÑO CEREBRAL)

Originalmente se llamaba “Lado oscuro de la luna” pero para hacerla más grafica se optó por un nombre explicito, es la canción central del disco, luego de este viaje de los ahuyentes por diversos conflictos, presiones, realidades que nos llevan a la locura y a este daño cerebral del título, donde entendemos que a cualquiera de nosotros nos puede llegar a pasar, si lo pensamos más profundamente la referencia en la letra es clara a Syd Barret “y si la banda en la que estas, comienza a tocar canciones diferentes”, “y si tu cabeza explota con oscuros olvidos también” ya que el producto de sus excesos muchas veces se quedaba pegado tocando sin seguir ni escuchar al resto de la banda, “te veré en el lado oscuro de la luna” “hay alguien en mi cabeza pero no soy yo”

ECLIPSE (WATERS)

Llegamos al final de esta historia, al final de este viaje por la vida que nos lleva a la demencia a pelar el cable, la introducción del órgano (Hammond) nos lleva a las boses de Roger y Dave que sentencian que todas las cosas que pensemos y en todo lo que llegues a creer todo está relacionado y armonía bajo el sol, pero pueden ser perfectamente eclipsadas por la luna, o sea que siempre algo puede suceder y podríamos perder el rumbo.

Todo termina con los mismos latidos de corazón con los que empezó el disco, luego nuevamente una voz de fondo nos trasmite “No hay un lado oscuro de la luna verdaderamente, de hecho toda ella es oscura” y volvemos al silencio.

Este es el maratónico recorrido por esta gran obra, la que sin duda estará presente en cuanto formato comercial llegue a existir. Para cerrar la columna no puedo dejar de mencionar la historia más fantástica que se ha acuñado en estos últimos 18 años, en 1997 un locutor de la radio WZLX-FM mencionó en su programa sobre la coincidencia entre este disco y la película clásica de “El mago de OZ”, si la de Judy Garland y esta conexión paso a ser el viral más bizarro de la banda, la que llevo a miles de fanáticos a probarlo, primero en sus VHS, luego en cd y hoy en día encontramos esta sincronía hasta en youtube, cual es la idea que justo cuando el león de la MGM ruge por tercera vez empiece a sonar el disco y podrás ver que las coincidencias son tantas que todo pasa del mito a la realidad, aunque todos lo han negado, la experiencia es tal que muchos lo hicimos.

Dejaremos para otro dia …la version de Dream Theatre, que es tremenda.

Espero con estos comentarios puedan volver a revivir este gran disco y les permita apreciar los detalles desde otra óptica.

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